LA LLAMADA DE CTHULHU - H.P. LOVECRAFT & FRANÇOIS BARANGER

TÍTULO: La Llamada de Cthulhu

AUTOR: François Baranger (H.P. Lovecraft)

EDITORIAL: Minotauro

AÑO: 2019

GÉNERO: Terror

"Boston, 1926. Después del fallecimiento en circunstancias extrañas de su tío abuelo, Francis Thurston descubre, en los extraños documentos que ha heredado, la existencia de una secta que rinde culto a una criatura innombrable que duerme desde hace millones de años. Sacrificios indescriptibles practicados en los pantanos de Luisiana, asesinatos misteriosos perpetrados en varios lugares del mundo, artistas sumidos en la demencia a causa de visiones nocturnas aterradoras, el renacimiento de cultos ancestrales y, sobre todo, una ciudad ciclópea surgiendo del océano en medio de una tempestad...Thurston comprenderá poco a poco que las investigaciones de su tío abuelo acerca del culto a Cthulhu se aproximaban mucho a la verdad y que, en las sombras, los adeptos trabajan para despertar a su dios pagano, listos para liberar la locura y la destrucción sobre el mundo... los astros se han alineado, ¿se estará acercando el fin?".

"La llamada de Cthluhu", sin duda alguna la novela más emblemática de Howard Phillips Lovecraft. Escrita en 1926 y publicada por primera vez en 1928 en la prestigiosa revista "Weird Tales", se ha convertido en pilar fundamental de la mitología lovecraftiana y en una de las historias de terror fantástico más famosas de todos los tiempos. Supone la primera aparición del Gran Cthulhu y, a la postre, servirá para convertir al dios primigenio en piedra angular de la cosmogonía del genio de Providence y eje central de todos los relatos relacionados con los Mitos. R'Lyeh aguarda...

Es la primera obra que leí de H.P. Lovecraft, después llegaron otros clásicos como "El horror de Dunwich", "El caso de Charles Dexter Ward", "La sombra sobre Innsmouth" o "En las Montañas de la Locura" y terminé siendo un asiduo al juego de rol también llamado "La Llamada de Cthulhu". He leído muchos libros vinculados a los Mitos de Cthulhu, como algunos relatos de August Derleth o las preciosas ediciones de El Zorro Rojo, e interesantísimos cómics, como los de Alan Moore o de I.N.J. Culbard, pero admito que hasta ahora no había tenido entre las manos algo tan hermoso y espectacular como el trabajo de François Baranger.

Baranger es un declarado admirador de la obra de Lovecraft y había realizado ya varias ilustraciones inspiradas en su universo, pero es ahora cuando decide lanzarse a la fascinante aventura de representar, con magníficas imágenes, los principales relatos del escritor de Providence. El resultado es brillante, con un estilo que encaja como anillo al dedo y que sirve para ilustrar, con elegancia, pero a la vez con angustiosa oscuridad, los siniestros pasajes literarios de H.P. Lovecraft.

No voy a hablaros mucho de la novela. "La llamada de Cthulhu" es un clásico que, básicamente, llevará a su protagonista, Francis Thurston, a comprender que existen cosas que escapan al conocimiento común de los mortales, que habitan más allá de las sombras y que sólo esperan el momento oportuno para regresar y desatar el caos. El rey del océano duerme, pero su sueño no será eterno...

En "La llamada de Cthulhu", el trazo y los colores empleados por Baranger para dar vida a las letras de Lovecraft no podrían ser más acertados, recogiendo a la perfección las sensaciones, emociones y temores con las que el escritor impregnaba sus relatos. Esa atmósfera opresiva e insana que va estrechando el cerco sobre el protagonista, Francis Thurston, y ese terror invisible, pero a la vez palpable, queda plasmado en unas láminas de belleza siniestra y ciclópea que da gusto observar con calma una y otra vez, apreciando todos los detalles y la dedicación del ilustrador francés.

François Baranger, que ha trabajado como artista conceptual en películas tan importantes como Harry Potter, Furia de Titanes o La bella y la bestia, recibe elogios del mismísimo Jon Howe (autor del prólogo, además), un reputado ilustrador de fantasía conocido, básicamente, por sus dibujos inspirados en la obra de Tolkien y que colaboró con Peter Jackson en la trilogía de "El Señor de los Anillos" a la hora de recrear escenarios y personajes. Howe llega a afirmar que el estilo de Baranger "habría complacido al propio Lovecraft", humildemente os diré que comparto su opinión.

La edición de Minotauro es una maravilla en todos los sentidos; la calidad del papel satinado, las sobrecubiertas que esconden una cubierta con portada alternativa y, sobre todo, el tamaño de la publicación (36x27) que permite a los dibujos del artista francés lucir aún más. Cada página de las 64 que forman "La llamada de Cthulhu" contiene ilustraciones, alguna a doble página, ofreciendo al lector la posibilidad de disfrutar del libro y sumergirse aún más en el relato... y es que si la historia de Lovecraft ya era buena, gracias a Baranger cobra una nueva dimensión.

"La llamada de Cthulhu" es un título capital de fantasía y terror y esta es una edición espectacular, imperdible para todos los fans de Lovecraft, pero igual de imperdible para cualquier lector y lectora. Una obra preciosamente aterradora, hermosamente tenebrosa y de horrible belleza.

P.d.- Y como los dioses primigenios, en contadas ocasiones, son buenos, Minotauro ya ha publicado el siguiente trabajo de Baranger: "En las Montañas de la Locura".

VALORACIÓN: 10/10

El CASTIGADOR: SOVIÉTICO - GARTH ENNIS & JACEN BURROWS

TÍTULO: El Castigador: Soviético

AUTOR: Garth Ennis & Jacen Burrows

EDITORIAL: Panini Comics

AÑO: 2020

GÉNERO: Cómic

"Conociendo la estricta rutina de Frank Castle a la hora de afrontar su vocación - la limpieza a fondo del mundo del crimen -, el hallazgo de una docena de mafiosos rusos muertos a sus pies, en una escena del crimen que muestra su mismo modus operandi... plantea muchas e inquietantes preguntas. ¿Quién apretó el gatillo? ¿Cómo y porqué se adelanto a El Castigador? ¿Qué ocurrirá cuando estos dos justicieros (y verdugos) se encuentren cara a cara? ".

Hace poco un buen amigo se acordó de mí y me recomendó "El Castigador: Soviético". Él es un gran fan de The Punisher y a mí me encanta la historia de la Revolución Rusa y la posterior Unión Soviética, así que le hice caso porque me parecía una apuesta segura; mi amigo no se equivocaba, gracias camarada Jordi!

Garth Ennis y Frank Castle, menuda pareja. No soy un gran lector de El Castigador, pero sí había leído antes al guionista norirlandés y siempre lo había pasado bien, sólo tienes que tener un poquito de estómago, nada más, porque es imposible no disfrutar de sus guiones cargados de violencia, humor negro y cinismo. Ahora echa cuentas y vuelve a pensar en Garth Ennis y Frank Castle, pues el resultado es "El Castigador: Soviético", un cómic brutal, visceral y salvaje que contiene una historia de venganza no apta para lectores sensibles.

En el cómic no vamos a encontrar nada prácticamente nuevo desde que El Castigador naciera en Marvel allá por 1974 o al menos nada que el lector habitual de Garth Ennis no haya visto antes: una historia bélica de trasfondo, bastante sangre, violencia extrema, camaradería y ese toque de humor tan del norirlandés. Es The Punisher en estado puro o por lo menos en el estado en el que lo concibe un Ennis que, al fin y al cabo, tiene una larga y estrecha relación con el personaje y que por muchos está considerado como uno de lo mejores guionistas de Frank Castle.

"El Castigador: Soviético" es una buena historia en la que The Punisher va a conocer a su alter ego soviético, Valery Stepanovich, un soldado maltratado por la Madre Rusia. Juntos, van a compartir una misión que dejará un rastro de sangre allá por donde pasen. Sin contemplaciones y sin un atisbo de duda porque ambos saben perfectamente lo que hacen, porqué lo hacen y cómo lo hacen, aunque resulta muy interesante ver el contraste entre ambas personalidades; la del siempre taciturno Castle al lado de un dicharachero Stepanovich. Caracteres diferentes, pero un pasado -con matices- en común y un mismo propósito. El modus operandi de uno y otro, el pasado militar y la vocación de justicieros va a unir a este par de soldados a lo largo de 136 páginas en las que podremos disfrutar de una camaradería creciente que El Castigador deja patente cuando afirma cosas tales como "hacía tiempo desde que había confiado en alguien en combate" o "y estaba la sensación que siempre tienes, muy deprisa, de quién la va a cagar y quién no".

No es necesario que hayas leído nada previamente sobre The Punisher, pero si no conocías a Garth Ennis desde luego con este cómic tendrás tu bautismo de fuego. "El Castigador: Soviético" es una historia cerrada, de esas atemporales, lejos de arcos argumentales y tramas venidas de tiempo atrás, lo cual también le permite al norirlandés caminar libremente... y el fin justifica los medios. Implacable como solamente Garth Ennis ha sabido describir a Frank Castle, estamos ante un cómic cargado de acción, ciertas reflexiones entre excombatientes, una trama interesante (aunque no muy compleja ni novedosa) y ese morbo que siempre despierta mezclar a rusos y americanos, además de un buen puñado de explosiones y plomo, sello inconfundible del tándem Ennis-Punisher.

Por último destacar la labor de Jacen Burrows a los lápices que, sin realizar un trabajo sobresaliente, sabe recoger perfectamente las ideas de Garth Ennis y plasmar ese crudo realismo a las viñetas. Algunas escenas son más simples e irregulares, mientras que otras están repletas de detalles, tanto que incluso pueden llegar a resultar desagradables... pero es que las historias de violencia nunca fueron una bonita puesta de sol. Burrows, que ya había trabajado con Ennis en series como "Crossed" o "303" y que también ha dado vida a ideas de destacados talentos como los de Alan Moore, Warren Ellis o Bendis, cumple a los lápices y, en determinados momentos, es capaz de remover, enfatizar y dotar de tensión y acción el trepidante thriller desarrollado por el guionista norirlandés.

En definitiva, un cómic muy entretenido y recomendable bien presentado por Panini Cómics, tanto para los fans de El Castigador como para los que nunca hayan leído nada sobre él y larga vida a un Garth Ennis que dejó muy claro que, en relación a Frank Castle, "quizás el lector se alegre de saber que aún no hemos terminado el uno con el otro... ni de coña".

VALORACIÓN: 8/10

ASSASSIN'S CREED: VALHALLA - JESPER KYD, SARAH SCHACHNER & EINAR SELVIK

TÍTULO: Assassin's Creed: Valhalla

AUTOR: Jesper Kyd, Sarah Schachner & Einar Selvik

AÑO: 2020

ESTILO: Banda Sonora Original

SELLO: Ubisoft

"Ponte en la piel de Eivor y lidera a tu clan desde los gélidos páramos de Noruega hasta un nuevo hogar en los exuberantes campos de Inglaterra del siglo XI. Funda tu asentamiento, conquista esa tierra hostil cueste lo que cueste y gánate un lugar en el Valhalla. La Inglaterra de la era vikinga es una nación fracturada, plagada de ruines señores feudales y reinos en guerra... pero bajo ese caos yace una tierra rica e indómita que aguarda a que alguien la conquiste. ¿Serás tú quien lo logre?".

Assassin's Creed es una aclamada y longeva saga de videojuegos lanzada por la compañía Ubisoft allá por el año 2007 y que este invierno de 2020, concretamente el 10 de noviembre, añadirá un capítulo más a su larga historia: "Assassin's Creed: Valhalla". Una franquicia que ha dado lugar a libros, cómics e incluso una película, además del consiguiente merchandising, y que con cada lanzamiento presenta unos tráilers cinemáticos que son una auténtica maravilla.

Como podéis imaginaros la ambientación de "Assassin's Creed: Valhalla" será vikinga y tendrá lugar en el siglo XI y en el joven y convulso Reino de Inglaterra. Lo cierto es que la Inglaterra de principios del siglo XI vivió la segunda oleada de invasores daneses (la primera había tenido lugar en el siglo IX), que supieron aprovechar la crisis política inglesa y hacerse con el poder hasta tal punto que los anglosajones nombraron rey al danés Svend Haraldsson... pero eso es Historia y es otra historia.

La temática vikinga lleva tiempo de moda. Siempre ha sido una cultura atractiva de la que nos han llegado muchas leyendas sobre la furia de sus guerreros, sus expediciones, sus saqueos, sus dioses, los drakkars, los berserkers... todo un universo casi mítico que con series como "Vikings" o "Last Kingdom", personajes como Thor o Loki, grupos musicales como Amon Amarth e incontables libros y cómics han permitido a estos rudos nórdicos desembarcar en más costas de las que pudieran haber imaginado jamás.

Assassin's Creed cuenta en sus entregas con multitud de momentos históricos importantes: las Cruzadas, el Renacimiento italiano, la guerra de independencia de los Estados Unidos, la edad de oro de la piratería, la Revolución Francesa o  la Inglaterra Victoriana, sin olvidar sus capítulos ambientados en el Antiguo Egipto o durante las Guerras del Peloponeso, pero aún no habían recurrido a la poderosa presencia vikinga para protagonizar uno de sus videojuegos. Ahora los fans de la saga podrán, por fin, encomendarse a Odín e invadir las costas inglesas en busca de un nuevo hogar lejos de la frías tierras noruegas.

No soy un gran jugador de Assassin's Creed, pero sí me gusta ver sus tráilers y escuchar sus bandas sonoras porque la música de la franquicia es otro sus puntos fuertes. Han desfilado compositores de la talla de Lorne Balfe (Terminator Génesis o Misión Imposible: Fallout), Bear McCreary (God of War, Black Sails u Outlander) o Brian Tyler (Thor: Mundo Oscuro, Vengadores: la Era de Ultrón o John Rambo). Y es que esta saga cuida con detalle cualquier aspecto del juego y la música, como sucede a veces en el cine, ayuda a que la historia que nos quieren contar nos llegue de manera más intensa y sensorial.

Para "Assassin's Creed: Valhalla" han vuelto a contar con el danés Jesper Kyd - excelente su trabajo con las aventuras de Ezio Auditore- y con la americana Sarah Schachner, músicos que ya habían colaborado en entregas anteriores, pero es que además han decidido sumar al proyecto al gran Einar Selvik. Para los que no conozcan a Selvik, hablamos de un músico noruego que empezó su carrera en grupos de heavy metal y que posteriormente fundó el grupo Wardruna para cantar sobre la mitología nórdica utilizando instrumentos tradicionales y recuperar la tradición de los skalds, antiguos poetas de la época vikinga. Además, como curiosidad, Einar Selvik participó brevemente en un episodio de "Vikings" y compuso la canción "Voluspá" que también aparece en la serie y cuyo vídeo podéis ver seguidamente:

Con esos ingredientes, la banda sonora de "Assassin's Creed: Valhalla" parecía estar en buenas manos y después de haberla podido escuchar varias veces, puedo deciros que es una maravilla y que han conseguido sugerir a la perfección la atmósfera vikinga. Han optado por una composición más mística y solemne gracias a la voz de Einar Selvik, a las cuerdas de Sarah Schachner y la presencia de evocadores coros femeninos y de percusiones e instrumentos muy acordes al folklore vikingo. No quiere decir que no tenga tintes épicos, pero no vamos a encontrar un tema de batalla al uso, aunque sin duda los cortes de Jesper Kyd son los más oscuros de la banda sonora.

"Assassin's Creed: Valhalla" es una hermosa composición, a ratos brillante, a ratos más oscura y tormentosa, pero siempre con ese aura de misticismo que tanto asociamos a la cultura vikinga. La banda sonora compuesta por los tres músicos encaja a la perfección con todo lo que se puede esperar de un juego ambientado en la invasión vikinga de la Inglaterra del siglo XI, aunque, por mi parte, he echado de menos algún tema más cargado de épica y acción. En líneas generales es una partitura excelente y  que, gracias a la presencia de Einar Selvik (os animo a descubrir su proyecto musical Wardruna), suma números para ser considerada como una de las mejores bandas sonoras de la saga Assassin's Creed.

Os dejo con el tema principal de "Asssassin's Creed: Valhalla":

VALORACIÓN: 8'5/10

RAMMSTEIN: HEAVY METAL UND FEUER

Rammstein es sinónimo de contundencia, de poderío, de imaginería industrial, de controversia y de fuego. Sí, he escrito fuego porque sus directos no se entienden sin la presencia del ígneo elemento en forma de espectacular pirotecnia. Si no los has visto nunca en concierto, no te pierdas el próximo porque Rammstein hace del escenario una fragua y su metal industrial golpea de manera brutal como un martillo sobre el yunque. La puesta en escena, la parafernalia industrial, la provocación y las letras oscuras, dramáticas, sangrientas y sexuales, son sello inequívoco de esta banda teutona de pura cepa. Rammstein es una extraña alquimia que mezcla el metal, la electrónica, el cabaret, la parodia, la contundencia, el sonido contagioso y una actitud desafiante de manera perfecta.

Rammstein nace en Berlín en el año 1994, cuando su líder, Till Lindemann (vocalista), se une a Richard Z. Krupse (guitarra), Oliver Riedel (bajo), Paul Landers (guitarra), Christian Lorenz (teclista) y Christoph Schneider (batería). Por aquel entonces, los años 90, en Alemania había surgido una corriente musical llamada Neue Deuschte Härte de la que, con el paso de los años, se han convertido en el máximo exponente y, sin lugar a dudas, en uno de los grupos alemanes más conocidos -e incómodos- de la historia. Siempre flirteando con la delgada línea roja que separa lo correcto de lo inmoral, Rammstein es un grupo tan odiado como jaleado.

Y sí, aunque no te guste el metal, si ya tienes alguna cana, seguro que has escuchado alguna vez el archiconocido "Du Hast" (1997) y sabes que esa canción, que por cierto ganó un Grammy, es de Rammstein. Ese temazo es una muestra perfecta del sonido de la banda berlinesa: poco complejo, con un aire casi marcial que marca el ritmo fácil de seguir de la batería, guitarras pesadas con riffs contundentes inconfundibles, estribillos pegadizos y la presencia de sonidos electrónicos, además de la grave voz de Tim Lindemann. Y si me dijeras, ¿a quién se parecen? pues a nadie, Rammstein es casi un estilo propio, un sonido único.

Desde 1995, año en el que lanzaron su primer álbum ("Herzeleid"), la banda ha permanecido unida y en activo, lanzando su último disco el año pasado, que supone el séptimo álbum de estudio y al que no han puesto título, pero que les ha servido para salir de nuevo a la carretera (aunque el Coronavirus ha interrumpido su gira europea y americana, que retomarán, si es posible, en 2021). Teniendo en cuenta que suman 25 años de trayectoria, lo cierto es que no han sido muy prolíficos y, de hecho, hasta la publicación del último disco, llevaban una década sin entrar en un estudio de grabación, aunque por el camino podemos encontrar un par de recopilatorios y varios discos en directo.

Aunque Rammstein es un grupo coral en el que cada uno de sus miembros tiene su cuota de protagonismo, tanto en los vídeoclips como en los directos, y la comunión entre ellos se evidencia en cada concierto, es innegable que la colosal presencia de Till Lindemann se alza por encima de sus compañeros. Y es que su capacidad interpretativa, su carisma, su voz y la actitud sobre el escenario, además de ese gesto tan típico suyo de golpearse el muslo con el puño al ritmo de la música, hacen de Lindemann un espectáculo por sí solo. Un repaso a los vídeos oficiales de la banda (algunos son una auténtica maravilla) o un vistazo a los directos y verás que Till Lindemann no tiene muchos problemas para cambiar de look, color de pelo, disfrazarse, ensuciarse o jugar con fuego.

Los siete discos publicados hasta la fecha contienen un buen número de éxitos, canciones pegadizas, letras polémicas (creo que les han acusado de casi todo), premios y reconocimientos que han ido cimentando la "leyenda negra" de Rammstein. Además, el último trabajo de 2019 demuestra que la banda teutona tiene benzin und feuer para rato y los directos que pudieron verse antes de la pandemia corroboran que Rammstein es, como decía al principio, un espectáculo que ni debes, ni puedes perderte.

Ya sabéis que, de vez en cuando, hago un top ten, pero siempre basado en mi gusto personal y que no tiene porqué coincidir con el vuestro ni tampoco tienen porqué ser las mejores canciones de Rammstein o las más aplaudidas por la crítica. Estas son mis favoritas y el orden es simplemente cronológico:

• Du Hast (Sehnsucht, 1997)
• Sehnsucht (Sehnsucht, 1997)
• Mein Herz Brennt (Mutter, 2001)
• Links 2 3 4 (Mutter, 2001)
• Ich Will (Mutter, 2001)
• Mein Tail (Reise, Reise, 2004)
• Ohne Dich (Reise, Reise, 2004)
• Zerstören (Rosenrot, 2005)
• Ich Tu Dir Weh (Lieve ist für alle da, 2009)
• Zeig Dich (Rammstein, 2019)
• Was Ich Liebe (Rammstein, 2019)

POSIBLE - BUNBURY

TÍTULO: Posible

AUTOR: Bunbury

AÑO: 2020

ESTILO: Rock & Roll

SELLO: Warner Music

"Sin desviarse de la norma el progreso no puede avanzar, pero ningún placer parece que dure lo suficiente. Si sigo aquí, tumbado en el parque, me da la impresión de que no me pierdo ya nada".

Y el huracán de Zaragoza volvió, otra vez, en tiempos de crisis para darnos un toque y pedir que mantengamos los ojos abiertos y sigamos despiertos, como ya hiciera en "Palosanto" (2013) o en "Expectativas" (2017). En esta ocasión se trata de una crisis sanitaria, aunque en el fondo ha puesto de manifiesto que seguimos inmersos en una crisis política, económica, social y medioambiental.

Pero vamos a dejar de lado al maldito virus y a centrarnos en "Posible", el último disco de un Bunbury que sigue empeñado en mostrar que es uno de los grandes, que le sobran argumentos para rebatir a todos aquellos que no le tienen en gran estima y que el rock & roll de este país sería mucho menos sin la presencia del artista maño. Y a mí, como siempre, admitiendo que no puedo ser muy imparcial con Enrique Bunbury, no me queda otra que volver a quitarme el sombrero una vez más.

Bunbury lleva años experimentando, cambiando, mutando y flirteando con multitud de estilos (aunque siempre enraizado en el rock & roll) y, evidentemente, con "Posible" eso no iba a ser distinto. Así, aunque posea ecos de su "Radical Sonora" (1997), es un nuevo paso adelante del aragonés errante. Enrique Bunbury, desde luego, no es un artista acomodado e insiste en conquistar nuevas fronteras musicales. Él mismo ha admitido sentirse orgulloso de su último trabajo, definiéndolo como uno de los más complicados e importantes de su carrera y no hay que olvidar que la carrera del artista zaragozano es longeva y exitosa.

Como comentaba, "Posible" posee alguna conexión con "Radical Sonora" por su sonido electrónico, pero lo cierto es que, aunque Bunbury haya optado por el uso de sintetizadores y echado mano de ordenadores, tiene muy poco de música electrónica. Alguno podrá pensar que eso no es cierto, que las guitarras y el bajo están en un discreto segundo plano y que apenas suena a rock & roll, pero es que esas guitarras y ese bajo, como el saxofón, los teclados y la batería o la percusión, acaban formando parte de un todo perfectamente integrado. Además, han transcurrido 23 años desde su debut en solitario y Bunbury tiene ahora un bagaje que no poseía entonces y esa experiencia también se percibe en el excelente sonido y producción de "Posible".

De hecho, la canción que inaugura el disco, "Cualquiera en su sano juicio (se habría vuelto loco por ti)", es una muestra de todo lo que contiene y podremos encontrar en "Posible"; tintes oscuros, rock subterráneo y latente que se percibe bajo las melodías electrónicas, letras redondas repletas de frases para enmarcar y sobre las que reflexionar, y una factura sonora y visual exquisita.

Habitualmente Bunbury no deja indiferente a nadie, no es un tipo de medias tintas y la crítica con él suele ser de blanco o negro, prácticamente sin existencia de tonos grises, pero me atrevería a decir que con "Posible" eso no va a suceder y que las opiniones serán bastante unánimes: "Mientras ladran saben que cabalgas, si permanecen indiferentes es que algo habrás hecho mal", dice en una de sus nuevas canciones. Y aunque criticar siempre es más fácil y en este país es casi un hobbie, conviene recordar que la búsqueda constante de Bunbury, sus afán por seguir arriesgando, sus coqueteos con diferentes corrientes musicales, su reinvención casi constante, su aprendizaje y su apetito por alcanzar nuevos territorios son cualidades que escasean hoy en día. Y es de agradecer.

"Posible" lo forman 10 canciones y no hay ninguna, ninguna, que esté fuera de lugar o por debajo de la elevada media del álbum. Cada uno, como siempre, tendrá sus favoritas, aunque yo me quedo con "Cualquiera en su sano juicio (habría perdido la cabeza por ti)", "Hombre de acción", "Las palabras" y "Los términos de mi rendición". De hecho, esta última es una balada bastante profunda, con un punto de decepción, en la que Bunbury -amante de la soledad- parece abrirse acompañado casi exclusivamente de un piano (y un gato). La canción posee una sensación de alejamiento que acentúan las imágenes del videoclip, rodado en un paisaje natural alejado del caos contemporáneo.

Además, encontraremos influencias y guiños a su querido y admirado Nick Cave, a David Bowie, a Depeche Mode, a Radiohead e incluso a Christopher Nolan, sí, al director de cine, en la canción "Mis posibilidades (Interstellar)".

Lo he dicho un poco más arriba, pero lo repito, "Posible" es uno de lo discos más completos de Bunbury y aunque aún sea pronto para catalogar alguna de sus canciones con la etiqueta de clásico, estoy convencido de que varios de los cortes de "Posible" alcanzará las cotas de popularidad y reconocimiento que han logrado otros éxitos de Enrique Bunbury. Al tiempo...

VALORACIÓN: 8'5/10

THE LAST KINGDOM - JOHN LUNN & EIVØR PÁLSDÓTTIR

TÍTULO: The Last Kingdom

AUTOR: John Lunn & Eivør Pálsdóttir

AÑO: 2015

ESTILO: BSO

SELLO: Sony Classical

"Es el año 872, casi todos los reinos que hoy conocemos como Inglaterra han sido invadidos por los vikingos, sólo permanece inexpugnable y desafiante el gran reino de Wessex bajo el mando del rey Alfredo el Grande.
Después de que sus padres, sajones nobles, fueran asesinados por los invasores, fue capturado y criado como uno de ellos. Obligado a elegir entre sus orígenes y el pueblo con el que ha crecido, su lealtad estará siempre a prueba. ¿Qué es, un sajón o un vikingo? En su búsqueda por reclamar sus derechos de nacimiento, Uhtred deberá recorrer un camino peligroso entre ambos bandos".

"The Last Kingdom" es una serie de la BBC basada en las novelas del británico Bernard Cornwell (ha publicado 10 hasta el momento) y que puede verse a través de Netflix. De momento son 4 temporadas, la última estrenada a finales del pasado mes de abril, en las que el osado guerrero Uhtred, acompañado por unos cuantos fieles seguidores, tiene que lidiar entre sajones y daneses mientras la idea de una Inglaterra unida, sueño del Rey Alfredo el Grande, va tomando forma a trompicones y regando con sangre el territorio. Así que estamos ante una serie de corte histórico, aderezada con todos los ingredientes de ficción necesarios para que enganche. No es "Juego de Tronos", tampoco es "Vikings", pero podría decirse que es casi una combinación de ambas (obviando el componente fantástico de la serie basada en las novelas de George RR Martin). A mí me parece una serie muy recomendable; personajes carismáticos, papeles femeninos interesantes, batallas épicas que no ahorran detalles sangrientos, ese punto atractivo que tiene la cultura vikinga y sus dioses, además de tiempo para las historias de amor y también para el humor y el ingenio. Y bien es sabido que la BBC casi siempre suele ser sinónimo de calidad.

De todos modos, ya sabéis que este no es un blog sobre películas o series, así que toca hablaros de la banda sonora que John Lunn, acompañado por la cantante feroesa Eivør Pálsdóttir, ha compuesto para "The Last Kingdom". Como era de esperar, la composición tiene toques de música celta que evocan paisajes y tiempos remotos, que se enriquecen con la voz de Eivør y que también sirven para enfatizar los momentos de carga más dramática o emotiva, además de contener temas más contundentes, donde la percusión cobra protagonismo, para potenciar las secuencias de acción y para las batallas en campo abierto.

No es la primera vez que el escocés John Lunn colabora con la BBC, de hecho suya es la música de la multipremiada "Downton Abbey" (también compuso la bso para su adaptación al cine) y tampoco es la primera vez que compone música para televisión, ya que es un asiduo en este medio desde 1989. Lo cierto es que acumula unos cuantos galardones y es probable que a algún lector le suene porque también ha puesto música a otras series británicas como "The white Queen", "Shetland" o la reciente "Belgravia", pero sin duda ha sido su trabajo en "Downton Abbey" lo que le ha catapultado al éxito y consagrado de forma definitiva.

Acostumbrado, pues, a los dramas de época, a creaciones más orquestales y complejas, "The Last Kingdom" se le ha presentado como una oportunidad para explorar nuevos terrenos y, sin duda, trabajar con Eivør Pálsdóttir ha ayudado a que el compositor saliera de su zona de confort. El uso de los sintetizadores modernos, mezclados con los instrumentos de cuerda y las percusiones de corte más ancestral, aunados a la voz de la cantante, logran una atmósfera muy interesante en la que conviven lo salvaje, lo onírico, lo evocador...

Eivør Pálsdóttir ha sido la encargada de acompañar con su voz a la música del escocés, creando entre ambos una atmósfera única y muy hermosa que enriquece y complementa a la perfección el apartado visual de la serie. Eivør es una cantautora nacida en Islas Feroe y, en sus inicios, su carrera como cantante se desarrolló principalmente en los países nórdicos... quién sabe, quizás ese "conocimiento" del terreno escandinavo y nórdico le haya servido de inspiración a la hora desarrollar el apartado vocal de la banda sonora. A buen seguro que "The Last Kingdom" le abrirá nuevas puertas.

"The Last Kingdom" se divide en 10 cortes que suponen algo más de 50 minutos de música con cierto aire bucólico en temas como "Icicle" o "Helig", otros más intensos en los que predomina la percusión y los sintetizadores como "Lighting the Beacons" o "Blood Moon" y piezas muy hermosas como "Lívstraeðrir" o "Aeternum". En general, es una banda sonora tranquila (aunque contiene momentos más salvajes), con claro protagonismo para la sugerente voz de Eivør Pálsdóttir, pero sin que la composición de John Lunn quede en un segundo plano. Sin duda, la música es otro de los fuertes de "The Last Kingdom", una serie que recomiendo que disfrutéis: Destiny is all...

Aquí os dejo el tema de apertura de "The Last Kingdom":

VALORACIÓN: 7'5/10

III - DEMONS & WIZARDS

TÍTULO: III

AUTOR: Demons & Wizards

AÑO: 2020

ESTILO: Power Metal

SELLO: Century Media Records

Han tenido que transcurrir 15 años, ahí es nada, para que Demons & Wizards lanzara un nuevo trabajo: "III". Larga espera, sin duda, y más después de que sus anteriores discos, "Demons & Wizards" (2000) y "Touched by de Crimsom King" (2005), fueran bien acogidos por la crítica metalera. Hay que recordar que se trata de un proyecto musical que aúna a dos auténticos iconos del heavy metal como son Hansi Kürsch y Jon Schaffer, líderes de bandas tan potentes y longevas como Blind Guardian e Iced Earth, respectivamente. Quizá eso explique la espera entre disco y disco... pero 15 años no dejan de ser demasiados por mucho que cada uno tenga su propia banda.

"III" contiene 11 temas, variados, desde canciones lentas a otras más aceleradas, pasando por medios tiempos y con guiños evidentes a Blind Guardian e Iced Earth, tampoco podía ser de otro modo, pero lo cierto es que sigue sonando a Demons & Wizards y eso es de agradecer. Para mí es una suerte disfrutar de esta fusión entre dos de mis bandas favoritas y poder escuchar la riqueza vocal de Kürsch al lado de los típicos riffs made in Schaffer, es un lujo. Imagino que también por eso, las críticas hacia los discos de Demons & Wizards son dispares y hay a quien le parecen un producto que no aporta nada, mientras que otros están encantados con cada disco que ve la luz. Yo soy de los encantados, pero eso tampoco quiere decir que, tras 15 años, "III" me parezca una maravilla.

Si te gustan las canciones directas, cortas, rotundas, de estribillo convencional y con regusto a heavy clásico, probablemente "III" te parecerá un pestiño en el que sobran medios tiempos, sobran minutos, sobran coros y sobran composiciones complejas. Pero, claro, teniendo en cuenta que el disco lo han parido Kürsch & Schaffer, ¿realmente alguien esperaba otra cosa? Si alguna vez has escuchado los trabajos de Iced Earth, si alguna vez has escuchado los discos de Blind Guardian, ¿de verdad alguien esperaba que Demons & Wizards hiciera algo distinto y se alejara de sus bandas madre?

"III" es un disco denso, pensado para generar esa atmósfera oscura, para eso han concebido sus letras, coros, guitarras y melodías. Sí, no tiene canciones tan pegadizas como "Demons & Wizards" o "Tocuched by de Crimson King", porque seguramente este sea un disco menos fácil de digerir y, aunque se disfrute igual, no entra de buenas a primeras como los dos anteriores y añadamos que hay 4 temas que superan los seis minutos de duración. Aún así, Demons & Wizards se mantiene fiel a su apuesta, quizá esta vez con una mayor teatralidad (para algunos será sobrecargado), pero sin pasar por alto el punto épico y fantástico habitual de ambas bandas madre. La esencia del grupo se mantiene intacta.

No todas las canciones del disco son excelentes, por supuesto, pero sí creo que hay 4 composiciones realmente destacables:

• Timeless Spirit; canción con sello clásico de la banda, toques acústicos, un Kürsch sacando a relucir sus cualidades vocales, un in crescendo casi constante y cierto aire progresivo.
• Dark side of her Majesty; este es un corte pegadizo, con un Kürsch algo más oscuro y con Schaffer luciendo músculo.
• Children of Cain; para mí la madre de todas las canciones de "III", un temazo de diez minutos de duración que reúne todos los elementos de Demons & Wizards, siendo, tal vez, la canción más compleja del disco.
• Diabolic; es el primer single de "III" y contiene todo lo que esperas de Demons & Wizards, es directa, entra a la primera y es una manera de decir: "Hemos vuelto". Aquí os dejo el vídeo:

Ya decía antes que "III" no me parece una maravilla, pero me sigue pareciendo un gran disco de power metal y me alegra que Hansi Kürsch y Jon Schaffer hayan vuelto a reunirse para que Demons & Wizards regrese al panorama musical. Respeto mucho a ambos músicos, tengo las discografías casi enteras de Bing Guardian y de Iced Earth, y además me encanta la fantasía épica, el rollo oscuro de demonios y magos, la eterna lucha entre el mal y el bien, etc. Así que si os gustaron los anteriores trabajo de Demons & Wizards seguro que disfrutaréis de "III" (y, además, el Sr. Kürsch está que se sale!).

VALORACIÓN: 7'5/10

RAGNARÖK: EL ÚLTIMO DIOS EN PIE - WALTER SIMONSON

TÍTULO: Ragnarök: El último dios en pie

AUTOR: Walter Simonson

EDITORIAL: Panini Cómics

AÑO: 2016

GÉNERO: Cómic

"Al final, los Enemigos de los dioses se alzaron y destruyeron a sus antiguos oponentes. El Sol y la Luna quedaron consumidos, y se destruyeron mundos. Los Enemigos gobernaban el Crepúsculo perpetuo y el miedo era el compañero de cama de los hombres. La esperanza había desaparecido y desde las sombras se arrastraban maldades que habían estado ocultas durante milenios. Según pasaban los siglos, la muerte y la putrefacción sin límite se extendían por las tierras y el triunfo de los Enemigos había sido total...

Mi esposa y mis hijos están muertos. Mis hermanos y hermanas, muertos. Mis padres, muertos. Los Grandes Enemigos siguen vivos. Pero juro por los destrozados huesos de los míos... que no vivirán eternamente. Me convertiré en... la Tormenta".

Con esa siniestra y amenazadora introducción, Walter Simonson promete una buena dosis de épica y aventuras en su particular enfoque de la mitología nórdica; damas y caballeros, bienvenidos al Ragnarök de Simonson!

"Ragnarök: El último dios en pie" es el primer tomo con guión y dibujo de Walter Simonson que supone una nueva aproximación del autor al personaje de Thor y a su entorno mitológico de dioses, lugares primordiales y criaturas infernales. Como decía, Thor es un personaje familiar para Simonson, su relación es realmente íntima porque no en vano es uno de los máximos responsables de que el Dios del Trueno recuperara el protagonismo que había perdido en Marvel en los años 80, devolviendo el dramatismo, la épica, las grandes batallas, la importancia de los personajes secundarios y la relevancia que demandaba el Hijo de Odín. Y es que Simonson restauró el universo de Thor y entró por la puerta grande a los salones de Asgard.

Muchos años después y con una perspectiva muy diferente, Simonson vuelve a cargar de energía su Mjölnir y propone una odisea de dimensiones titánicas para Thor. Y, como él mismo explica al inicio del cómic, reunirse con su viejo amigo nórdico ha supuesto años de trabajo y de darle vueltas y más vueltas a qué historia contar... y lo que se nota tras la lectura de "Ragnarök: El último dios en pie" es que Simonson debía estar muy ilusionado con este trabajo y que el esfuerzo y tiempo invertido en él ha dado buenos frutos. 

Lejos de las ataduras que podrían suponer escribir una historia continuista o típica del Dios del Trueno, aquí tiene total libertad para escribir sobre Thor - que siempre ha declarado como su personaje favorito - y sitúa la acción después del Ragnarök, mostrando un mundo parcialmente devastado en el que muchos hacen lo que pueden por sobrevivir y otros campan a sus anchas por parajes con cierto aire apocalíptico y decadente; parece imperar la ley del más fuerte. Y el Ragnarök de Simonson no es tal y como la mitología nórdica lo describía, no florecerá del mar una nueva tierra verde y justa en la que abundarán los cereales y los prados, no se extinguirán la miseria y la maldad y hombres y dioses vivirán armonía. Más bien el Ragnarök ha supuesto todo lo contrario, demonios y no muertos gobiernan y someten a base de acero y terror.

Pero... aún queda un último dios en pie y promete venganza.

Lo cierto es que Simonson parece haber disfrutado con "Ragnarök: El ultimo dios en pie" y eso se transmite en cada viñeta, en cada diálogo, en cada expresión y en cada batalla. Es un cómic repleto de mitología, épica, truenos, rayos, combates, acción y acero salpicado de sangre, pero también hay espacio para el drama, la tristeza y las reflexiones de un Thor más crepuscular y menos compasivo. Es una muy buena historia y estoy esperando poder hacerme con el segundo número, "Ragnarök: El señor de los muertos", para adentrarme aún más en las yermas tierras que deberá cabalgar el Dios del Trueno en busca de los culpables que asesinaron a su familia.

Me gustaría terminar haciendo mención a las ilustraciones, llevadas a cabo por el mismo Simonson y que me parecen una auténtica maravilla. No sólo he disfrutado de la lectura, sino también de las láminas y aunque para algunos el color (obra de Laura Martin) sea algo moderno y haya puristas que hubieran preferido otras técnicas, a mí me ha gustado. Y, aunque pueda parecer algo menor y que a menudo pasa desapercibido, también considero un acierto la tipografía elegida para la rotulación y el uso de la misma.

El tomo, publicado por Panini Comics, incluye además una galería de cubiertas y bocetos que siempre resulta interesante.

En definitiva, si te gusta Thor, ya estás tardando. Si te gusta Walter Simonson, ya estás tardando. Y si te gustan las historias de fantasía con toques épicos y mitológicos, sin duda "Ragnarök: El último dios en pie" te encantará.

VALORACIÓN: 8'5/10

EL TESTAMENTO DE MAGNETO - GREG PAK & CARMINE DI GIANDOMENICO

TÍTULO: El Testamento de Magneto

AUTOR: Greg Pak & Carmine Di Giandomenico

EDITORIAL: Marvel - Panini

AÑO: 2017

GÉNERO: Cómic

"Hoy en día, todo el mundo lo conoce como Magneto, el más radical defensor de los derechos mutantes que la humanidad haya conocido jamás. Pero en 1935 no fue más que un niño judío, uno de los muchos que tuvo la desgracia de vivir en la Alemania de los nazis. Descubre el origen definitivo de uno de los grandes iconos de Marvel. Todo empieza con una cadena de plata y un chico enamorado de una chica... pero luego se convierte en una angustiosa lucha por la supervivencia contra la inexorable maquinaria de la Solución Final de Hitler".

Magneto, posiblemente uno de los villanos más importantes de Marvel, personaje fundamental en la larga historia de los X-Men y un tipo carismático que, a pesar de su condición de "malo", acostumbra a caer simpático. De hecho, tanto el gran Ian McKellen como Michael Fassbender han sabido transmitir en el cine esos sentimientos encontrados que suele despertar el personaje de Max Eisenhardt (o Eric Lehnsherr), más conocido como Magneto.

El cómic que hoy analizo, "El testamento de Magneto", es una obra bastante particular dentro del género superheroico porque, como comprobaréis al leerlo, está muy alejado de los típicos cómics de superhéroes. La obra de Greg Pak nos hará viajar a la infancia y adolescencia de Max Eisenhardt para que podamos comprender un poco mejor cómo se forjó el carácter y la personalidad de Magneto. Y es que siempre habrá que tener en cuenta que la niñez de este mutante transcurrió en pleno apogeo del nazismo y que logró sobrevivir al Holocausto.

Hay que remontarse al año 1976 para que Chris Claremont (probablemente el guionista más importante de los X-Men) le diera un pasado a la historia de Magneto, concediéndole un trasfondo repleto de sufrimiento y dolor que hacía de él un personaje mucho más interesante y con el que se podía llegar a empatizar. Pak retoma aquí la idea de la Alemania nazi de Claremont, explora esa tormentosa etapa de la vida del mutante y nos la presenta de manera brillante en "El testamento de Magneto", acompañado a los lápices, de manera muy acertada, por Carmine Di Giandomenico.

"El testamento de Magneto" nos acerca a algunas de las atrocidades cometidas por el nazismo, al tiempo que asistimos al doloroso crecimiento personal y físico de Max Eisenhardt, un niño judío que se sabe diferente a los demás. Con bastante rigor histórico, guionista y dibujante nos mostrarán la crudeza del régimen, pero sin cebarse en el horror o en escenas morbosas, aunque tampoco van a utilitzar ningún edulcorante y todo ello lo veremos a través de los ojos del joven Max. A lo largo de su infancia y posterior estancia en el campo de concentración de Auschwitz, seremos testigos de su tendencia a ayudar a los demás, a un instinto de protección que le servirá de bien poco, a su conflicto sobre cómo proceder, a su culpabilidad por asistir a injusticias sin hacer nada por evitarlas, a su endurecimiento progresivo, a su angustia... ese sufrimiento por ver al pueblo judío oprimido y perseguido entronca con el posterior y recurrente afán de Magneto de evitar que ocurra algo similar con los mutantes.

Como decía antes, George Pak, a pesar de ser un relato sobre un personaje de ficción, ha querido darle unas pinceladas de historia y para ello se documentó sobre destacados episodios y escenarios de la Alemania nazi: los primeros tics racistas que empezaban a vislumbrarse en 1935, la Noche de los Cristales Rotos (1938), el exilio a Varsovia de numerosos judíos alemanes y la posterior creación del gueto (1940), el campo de concentración de Auschwitz, la rebelión que tuvo lugar allí el 7 de octubre de 1944...

El guión de Pak, siempre bien secundado por las viñetas de Di Giandomenico y el magistral uso de los colores de Matt Hollingsworth, abarca algo más de una década de historia y eso es siempre algo destacable, a la vez que ambicioso, pero puede suponer asumir ciertos riesgos a la hora de profundizar en algunos episodios concretos si la extensión del cómic no es la correcta y, desgraciadamente, eso es algo que sucede en "El testamento de Magneto". Ojo, que sigue siendo una obra altamente recomendable, una de esas pequeñas joyas que merece la pena descubrir y disfrutar, pero se echa de menos algún capítulo más que conduzca hacia un final algo menos precipitado.

Nos vamos a encontrarnos con un Magneto desatado, a pesar de sus momentos de rabia y frustración, aunque sí veremos algún destello de sus capacidades. Tampoco vamos a asistir al "nacimiento" de Magneto como tal, no va a aparecer con su traje y casco tan característicos. No hay espacio para combates épicos y demás parafernalia. Y no, no habrá cameos de otros mutantes. Como decía al principio, este no és cómic superheroico al uso, pero eso no lo hace menos atractivo... más bien al contrario, "El testamento de Magneto" es un grandísimo cómic, una manera menos convencional o tópica, pero a la vez magistral, de aproximarse a uno de los grandes iconos del universo X-Men.

Como colofón, la edición integral de Panini incluye -además de unas espectaculares portadas de Marko Djurdjevic- la desconocida historia de la dibujante Dina Gottliebova, con guión de Rafael Medoff y dibujo de Neal Adams. Esta dibujante checa, prisionera también de Auschwitz, fue obligada por el Dr. Mengele a pintar retratos de numerosos cautivos judíos en aquel infame campo de concentración.

Si no la tenéis, haceros con esta edición de "El testamento de Magneto" y si ya forma parte de vuestra biblioteca, deberíais voler a leerlo.

VALORACIÓN: 9/10

BARÓN ROJO - EL ÚLTIMO VUELO

Una de las grandes formaciones del heavy nacional vuelve a encender sus motores. Las alas del Barón Rojo volverán a sobrevolar los escenarios por última vez, justo cuando se cumplen 40 años del origen de la mítica banda. 2020 va a suponer la despedida definitiva de este legendario grupo que ha sobrevivido, con más o menos fortuna y con demasiadas movidas internas, a cuatro décadas de historia.

Lamentablemente la despedida -nostálgica por todos los recuerdos que va a remover- no podrá ser todo lo maravillosa que debería ya que, como es sabido, las asperezas entre los miembros de la formación original nunca han terminado de limarse y solamente los hermanos Armando y Carlos de Castro estarán al pie del cañón. Esta vez no tendremos la suerte de ver a José Luis "Sherpa" Campuzano ni a Hermes Calabria compartiendo escenario y, para qué negarlo, sin ellos Barón Rojo no fue, ni es, ni será lo mismo (afortunadamente puede verlos a todos juntos en la gira que hicieron en 2010).

Para mí, imagino que como para much@s, supone el fin de una etapa muy ligada a mi infancia/adolescencia y de grandes momentos acompañado por mi "hermano" Leo. Y aunque Barón Rojo ya no tuviera hoy la creatividad, ni la poderosa presencia con la que irrumpió en los 80, hay un vínculo sentimental indisoluble con esta banda que ha hecho que, a pesar de los años, algunos de sus temas sigan formando parte de mi banda sonora. Y sí, ya nada es como cuando en 1981 publicaron "Larga vida al Rock and Roll", para un año después lanzar el inmortal "Volumen Brutal" y participar en el Reading Festival de 1982 junto a artistas de la talla de Iron Maiden, Gary Moore o Marillion. Tampoco han vuelto a alcanzar la gloria de 1984, que les llevó a girar por América Latina, donde aún conservan una fiel legión de seguidores, o a reunir a más de 12.000 personas en un apoteósico concierto en Madrid.

Su último gran trabajo lo lanzaron a mediados de los 80 y aunque no han dejado de currar nunca, lo cierto es que la historia de la banda ya había escrito sus páginas más gloriosas y, a partir de entonces, Barón Rojo jamás volvería a volar tan alto. En mi opinión, "En un lugar de la Marcha" (1985) es el tercer mejor disco de la banda y es cierto que hay temas rescatables en "Tierra de Nadie" (1987), "No va más" (1988) y "Obstinato" (1989), pero el grupo había tocado techo y ni las canciones, ni los conciertos podían disimular una evidencia: Barón Rojo se estaba agotando.

También era lógico, llevaban sin parar desde 1981, sacando discos como churros, enlazando giras (algunas cruzando el charco), acudiendo a festivales por Europa, además de las obligadas promociones y actuaciones televisivas... un ritmo infernal. Así que la ruptura del grupo a finales de 1989 era relativamente lógica. Ese año Sherpa y Hermes abandonaron la formación cansados físicamente, pero sobre todo por las desavenencias con los hermanos De Castro (y, porqué no decirlo, la relevancia de la banda caía en picado y el heavy había perdido fuelle en España). Tristemente, esos problemas internos no se han arreglado nunca y solamente han servido para enturbiar el nombre del grupo.

A pesar de todo, los hermanos De Castro continuaron adelante con el proyecto y Barón Rojo prosiguió su camino, pero nunca logró remontar el vuelo. Su trabajo ha sido incansable, publicando más discos (uno de ellos, "En clave de Rock", con la sinfónica del Centro Instructivo Musical de Mislata, Valencia), grabando directos, realizando la mencionada gira de reunificación de 2010 e incluso lanzando un ambicioso proyecto llamado "Tommy Barón" (2012) que recreaba la épica ópera rock "Tommy" de The Who. Para rematar, en 2013 se puso a la venta "Barón Rojo, la película", cinta que recopila la historia del grupo y recoge numerosas anécdotas, imágenes inéditas, recortes de prensa, entrevistas, actuaciones... material altamente recomendable e indispensable para todo fan de Barón Rojo!

En fin, que son 40 años de existencia y aunque esa historia no siempre ha sido un camino de rosas, no es menos cierto que Barón Rojo es una de las bandas más relevantes del rock nacional. Y ahora, en 2020, Barón Rojo ha decidido escribir la última página de su dilatada trayectoria en una gira por todo el territorio español y que volverá a sobrevolar el Atlántico para bombardear con su legendario heavy-rock el continente americano, llegando a ciudades como Montevideo, Buenos Aires, Medellín, Santiago de Chile, San Francisco, Los Ángeles o New York. Barón Rojo se despide a lo grande... nos veremos en el Infierno!

Así que desde mi blog, humildemente, he querido dedicarles esta entrada a modo de agradecimiento por todas aquellas canciones que formaron parte de mi juventud y que hoy siguen resonando en mi memoria. Os dejo mi Top10 de Barón Rojo y me quedan muchas en el tintero!

• Resistiré (Volumen Brutal, 1982)
• Cuerdas de Acero (En un lugar de la Marcha, 1985)
• Larga vida al Rock and Roll (Larga vida al Rock and Roll, 1981)
• Satánico Plan (Volumen Brutal, 1982)
• Barón Rojo (Larga vida al Rock and Roll, 1981)
• Los rockeros van al Infierno (Volumen Brutal, 1982)
• Hijos de Caín (En un lugar de la Marcha, 1985)
• Mil años luz (No va más, 1988)
• Caso Perdido (En un lugar de la Marcha, 1985)
• Herencia Letal (Obstinato, 1989)