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jueves, 5 de marzo de 2020

EL TESTAMENTO DE MAGNETO - GREG PAK & CARMINE DI GIANDOMENICO

TÍTULO: El Testamento de Magneto
AUTOR: Greg Pak & Carmine Di Giandomenico
EDITORIAL: Marvel - Panini
AÑO: 2017
GÉNERO: Cómic

"Hoy en día, todo el mundo lo conoce como Magneto, el más radical defensor de los derechos mutantes que la humanidad haya conocido jamás. Pero en 1935 no fue más que un niño judío, uno de los muchos que tuvo la desgracia de vivir en la Alemania de los nazis. Descubre el origen definitivo de uno de los grandes iconos de Marvel. Todo empieza con una cadena de plata y un chico enamorado de una chica... pero luego se convierte en una angustiosa lucha por la supervivencia contra la inexorable maquinaria de la Solución Final de Hitler".

Magneto, posiblemente uno de los villanos más importantes de Marvel, personaje fundamental en la larga historia de los X-Men y un tipo carismático que, a pesar de su condición de "malo", acostumbra a caer simpático. De hecho, tanto el gran Ian McKellen como Michael Fassbender han sabido transmitir en el cine esos sentimientos encontrados que suele despertar el personaje de Max Eisenhardt (o Eric Lehnsherr), más conocido como Magneto.


El cómic que hoy analizo, "El testamento de Magneto", es una obra bastante particular dentro del género superheroico porque, como comprobaréis al leerlo, está muy alejado de los típicos cómics de superhéroes. La obra de Greg Pak nos hará viajar a la infancia y adolescencia de Max Eisenhardt para que podamos comprender un poco mejor cómo se forjó el carácter y la personalidad de Magneto. Y es que siempre habrá que tener en cuenta que la niñez de este mutante transcurrió en pleno apogeo del nazismo y que logró sobrevivir al Holocausto.

Hay que remontarse al año 1976 para que Chris Claremont (probablemente el guionista más importante de los X-Men) le diera un pasado a la historia de Magneto, concediéndole un trasfondo repleto de sufrimiento y dolor que hacía de él un personaje mucho más interesante y con el que se podía llegar a empatizar. Pak retoma aquí la idea de la Alemania nazi de Claremont, explora esa tormentosa etapa de la vida del mutante y nos la presenta de manera brillante en "El testamento de Magneto", acompañado a los lápices, de manera muy acertada, por Carmine Di Giandomenico.


"El testamento de Magneto" nos acerca a algunas de las atrocidades cometidas por el nazismo, al tiempo que asistimos al doloroso crecimiento personal y físico de Max Eisenhardt, un niño judío que se sabe diferente a los demás. Con bastante rigor histórico, guionista y dibujante nos mostrarán la crudeza del régimen, pero sin cebarse en el horror o en escenas morbosas, aunque tampoco van a utilitzar ningún edulcorante y todo ello lo veremos a través de los ojos del joven Max. A lo largo de su infancia y posterior estancia en el campo de concentración de Auschwitz, seremos testigos de su tendencia a ayudar a los demás, a un instinto de protección que le servirá de bien poco, a su conflicto sobre cómo proceder, a su culpabilidad por asistir a injusticias sin hacer nada por evitarlas, a su endurecimiento progresivo, a su angustia... ese sufrimiento por ver al pueblo judío oprimido y perseguido entronca con el posterior y recurrente afán de Magneto de evitar que ocurra algo similar con los mutantes.

Como decía antes, George Pak, a pesar de ser un relato sobre un personaje de ficción, ha querido darle unas pinceladas de historia y para ello se documentó sobre destacados episodios y escenarios de la Alemania nazi: los primeros tics racistas que empezaban a vislumbrarse en 1935, la Noche de los Cristales Rotos (1938), el exilio a Varsovia de numerosos judíos alemanes y la posterior creación del gueto (1940), el campo de concentración de Auschwitz, la rebelión que tuvo lugar allí el 7 de octubre de 1944...

El guión de Pak, siempre bien secundado por las viñetas de Di Giandomenico y el magistral uso de los colores de Matt Hollingsworth, abarca algo más de una década de historia y eso es siempre algo destacable, a la vez que ambicioso, pero puede suponer asumir ciertos riesgos a la hora de profundizar en algunos episodios concretos si la extensión del cómic no es la correcta y, desgraciadamente, eso es algo que sucede en "El testamento de Magneto". Ojo, que sigue siendo una obra altamente recomendable, una de esas pequeñas joyas que merece la pena descubrir y disfrutar, pero se echa de menos algún capítulo más que conduzca hacia un final algo menos precipitado.

Nos vamos a encontrarnos con un Magneto desatado, a pesar de sus momentos de rabia y frustración, aunque sí veremos algún destello de sus capacidades. Tampoco vamos a asistir al "nacimiento" de Magneto como tal, no va a aparecer con su traje y casco tan característicos. No hay espacio para combates épicos y demás parafernalia. Y no, no habrá cameos de otros mutantes. Como decía al principio, este no és cómic superheroico al uso, pero eso no lo hace menos atractivo... más bien al contrario, "El testamento de Magneto" es un grandísimo cómic, una manera menos convencional o tópica, pero a la vez magistral, de aproximarse a uno de los grandes iconos del universo X-Men.

Como colofón, la edición integral de Panini incluye -además de unas espectaculares portadas de Marko Djurdjevic- la desconocida historia de la dibujante Dina Gottliebova, con guión de Rafael Medoff y dibujo de Neal Adams. Esta dibujante checa, prisionera también de Auschwitz, fue obligada por el Dr. Mengele a pintar retratos de numerosos cautivos judíos en aquel infame campo de concentración.

Si no la tenéis, haceros con esta edición de "El testamento de Magneto" y si ya forma parte de vuestra biblioteca, deberíais voler a leerlo.

VALORACIÓN: 9/10

viernes, 14 de febrero de 2020

BARÓN ROJO - EL ÚLTIMO VUELO

Una de las grandes formaciones del heavy nacional vuelve a encender sus motores. Las alas del Barón Rojo volverán a sobrevolar los escenarios por última vez, justo cuando se cumplen 40 años del origen de la mítica banda. 2020 va a suponer la despedida definitiva de este legendario grupo que ha sobrevivido, con más o menos fortuna y con demasiadas movidas internas, a cuatro décadas de historia.

Lamentablemente la despedida -nostálgica por todos los recuerdos que va a remover- no podrá ser todo lo maravillosa que debería ya que, como es sabido, las asperezas entre los miembros de la formación original nunca han terminado de limarse y solamente los hermanos Armando y Carlos de Castro estarán al pie del cañón. Esta vez no tendremos la suerte de ver a José Luis "Sherpa" Campuzano ni a Hermes Calabria compartiendo escenario y, para qué negarlo, sin ellos Barón Rojo no fue, ni es, ni será lo mismo (afortunadamente puede verlos a todos juntos en la gira que hicieron en 2010).

Para mí, imagino que como para much@s, supone el fin de una etapa muy ligada a mi infancia/adolescencia y de grandes momentos acompañado por mi "hermano" Leo. Y aunque Barón Rojo ya no tuviera hoy la creatividad, ni la poderosa presencia con la que irrumpió en los 80, hay un vínculo sentimental indisoluble con esta banda que ha hecho que, a pesar de los años, algunos de sus temas sigan formando parte de mi banda sonora. Y sí, ya nada es como cuando en 1981 publicaron "Larga vida al Rock and Roll", para un año después lanzar el inmortal "Volumen Brutal" y participar en el Reading Festival de 1982 junto a artistas de la talla de Iron Maiden, Gary Moore o Marillion. Tampoco han vuelto a alcanzar la gloria de 1984, que les llevó a girar por América Latina, donde aún conservan una fiel legión de seguidores, o a reunir a más de 12.000 personas en un apoteósico concierto en Madrid.


Su último gran trabajo lo lanzaron a mediados de los 80 y aunque no han dejado de currar nunca, lo cierto es que la historia de la banda ya había escrito sus páginas más gloriosas y, a partir de entonces, Barón Rojo jamás volvería a volar tan alto. En mi opinión, "En un lugar de la Marcha" (1985) es el tercer mejor disco de la banda y es cierto que hay temas rescatables en "Tierra de Nadie" (1987), "No va más" (1988) y "Obstinato" (1989), pero el grupo había tocado techo y ni las canciones, ni los conciertos podían disimular una evidencia: Barón Rojo se estaba agotando.

También era lógico, llevaban sin parar desde 1981, sacando discos como churros, enlazando giras (algunas cruzando el charco), acudiendo a festivales por Europa, además de las obligadas promociones y actuaciones televisivas... un ritmo infernal. Así que la ruptura del grupo a finales de 1989 era relativamente lógica. Ese año Sherpa y Hermes abandonaron la formación cansados físicamente, pero sobre todo por las desavenencias con los hermanos De Castro (y, porqué no decirlo, la relevancia de la banda caía en picado y el heavy había perdido fuelle en España). Tristemente, esos problemas internos no se han arreglado nunca y solamente han servido para enturbiar el nombre del grupo.


A pesar de todo, los hermanos De Castro continuaron adelante con el proyecto y Barón Rojo prosiguió su camino, pero nunca logró remontar el vuelo. Su trabajo ha sido incansable, publicando más discos (uno de ellos, "En clave de Rock", con la sinfónica del Centro Instructivo Musical de Mislata, Valencia), grabando directos, realizando la mencionada gira de reunificación de 2010 e incluso lanzando un ambicioso proyecto llamado "Tommy Barón" (2012) que recreaba la épica ópera rock "Tommy" de The Who. Para rematar, en 2013 se puso a la venta "Barón Rojo, la película", cinta que recopila la historia del grupo y recoge numerosas anécdotas, imágenes inéditas, recortes de prensa, entrevistas, actuaciones... material altamente recomendable e indispensable para todo fan de Barón Rojo!

En fin, que son 40 años de existencia y aunque esa historia no siempre ha sido un camino de rosas, no es menos cierto que Barón Rojo es una de las bandas más relevantes del rock nacional. Y ahora, en 2020, Barón Rojo ha decidido escribir la última página de su dilatada trayectoria en una gira por todo el territorio español y que volverá a sobrevolar el Atlántico para bombardear con su legendario heavy-rock el continente americano, llegando a ciudades como Montevideo, Buenos Aires, Medellín, Santiago de Chile, San Francisco, Los Ángeles o New York. Barón Rojo se despide a lo grande... nos veremos en el Infierno!


Así que desde mi blog, humildemente, he querido dedicarles esta entrada a modo de agradecimiento por todas aquellas canciones que formaron parte de mi juventud y que hoy siguen resonando en mi memoria. Os dejo mi Top10 de Barón Rojo y me quedan muchas en el tintero!
  • Resistiré (Volumen Brutal, 1982)
  • Cuerdas de Acero (En un lugar de la Marcha, 1985)
  • Larga vida al Rock and Roll (Larga vida al Rock and Roll, 1981)
  • Satánico Plan (Volumen Brutal, 1982)
  • Barón Rojo (Larga vida al Rock and Roll, 1981)
  • Los rockeros van al Infierno (Volumen Brutal, 1982)
  • Hijos de Caín (En un lugar de la Marcha, 1985)
  • Mil años luz (No va más, 1988)
  • Caso Perdido (En un lugar de la Marcha, 1985)
  • Herencia Letal (Obstinato, 1989)

jueves, 6 de febrero de 2020

JOKER - HILDUR GUÐNADÓTTIR

TÍTULO: Joker
AUTOR: Hildur Guðnadóttir
AÑO: 2019
ESTILO: Banda Sonora Original
SELLO: Water Tower Music

"Mi madre siempre me dice que sonría y ponga una cara feliz. Ella me dijo que tenía un propósito: traer risas y alegría al mundo... ¿Qué es lo que obtienes cuando te cruzas con un solitario enfermo mental en una sociedad que lo abandona y lo trata como basura?... Cuando era niño y le decía a la gente que iba a ser comediante, todos se reían de mí. Bueno, nadie se está riendo ahora..."

El Joker, sin duda alguna uno de los grandes villanos que ha dado el mundo del cómic (personaje icónico de DC) y que el cine se ha encargado de encumbrar. Hasta ahora siempre lo habíamos visto como "estrella invitada" en la oscura Gotham, desatando el caos y haciendo resonar su macabra risa por las calles de la ciudad de Batman, en un duelo interminable que ha terminado generando un vínculo especial entre ambos.

Habíamos disfrutado de Jack Nicholson, encarnando a un Joker más bromista y alegre, aunque no exento de ese punto histriónico, que encajaba perfectamente en la cinta rodada por Tim Burton. También habíamos alucinado con la interpretación magistral de Heath Ledger y su personaje más sádico y caótico, incluso aterrador, en la película de Christopher Nolan. Pero hasta 2019 no habíamos tenido la oportunidad de ver una película dedicada íntegramente al Joker y, además, sin la presencia del Caballero Oscuro. Bien, pues hay que darle las gracias a Todd Phillips por dirigir "Joker" y a Joaquin Phoenix por brillar al meterse de lleno en la piel de uno de los malos más carismáticos del universo cinematográfico.


No tengo intención de hablar de la cinta -que he visto y que me ha encantado-, ni del espectacular trabajo de Phoenix -que espero le valga el Oscar-, ni tampoco ahondaré en la historia del Joker y sus incontables apariciones en cómics antológicos de Batman (aunque, sin duda, deberíais leer "La broma asesina" de Alan Moore y "Joker" de Brian Azzarello). Mi intención es escribir sobre la fantástica banda sonora compuesta por Hildur Guðnadóttir para esta película.

Para empezar deciros que Hildur Guðnadóttir es una violonchelista islandesa reputada y que "Joker" no es su primera intromisión en la gran pantalla. Curiosamente ya había conocido a Phoenix en la película "María Magdalena", colaborando en la composición de la banda sonora con Jóhann Jóhannsson, con el que también repetiría en el film "La llegada", y que su trabajo más destacado, hasta la fecha, se había producido en "Sicario: el día del soldado". Conviene añadir que suya también es la música de la aclamada serie "Chernobyl", contribuyendo de manera muy eficaz a incrementar ese clima tóxico, asfixiante y angustioso.

Como dato curioso, explicaros que Hildur Guðnadóttir fue entregando piezas musicales al director antes de que la película entrara en fase de preproducción. Esta manera de trabajar, muy poco usual ya que el compositor suele componer viendo las escenas, fue propuesta por el propio Todd Phillips, por lo que la islandesa tuvo que inspirarse a medida que iba leyendo las partes del guión que le tocaba musicar y eso contribuyó de manera definitiva a que evolucionara la partitura al mismo tiempo que evolucionaba el Joker. Es más, Phoenix ensayó algunas escenas (e incluso encontró iluminación) con la música ideada por Guðnadóttir.


Tal vez por ese proceso, la composición de la islandesa es Joker en estado puro y duro. Su música da forma a los sentimientos del personaje, mostrándonos sus momentos de desesperación, de tristeza, de incomprensión, de enfado y de enajenación. Porque sus acordes, a veces estridentes y no siempre "agradables", acompañan al Joker en su lento, pero seguro, camino hacia la locura. A medida que avanza la película podremos ir comprobando como la partitura de Hildur Guðnadóttir se va desquiciando, agarrada de la mano del Joker, transitando por ese sendero que va despertando todos los fantasmas interiores de un personaje condenado a estallar definitivamente y liberar toda esa rabia e ira acumulada. Y es que la música de la islandesa da forma, prácticamente, a la atormentada voz interior del Joker.

No parece una partitura muy compleja, de hecho no hay muchos instrumentos ni demasiadas melodías, pero sí es una composición brillante y perfecta para "Joker". Gracias a sus notas podemos comprender mejor al personaje, entender cómo percibe a la sociedad, cómo le afecta a él y cómo se siente. Esa opresión casi claustrofóbica del mundo interior de Joker, esa oscuridad airada pugnando por salir al exterior, ese ritmo por momentos fúnebre y machacón que puede llegar a molestar (en el buen sentido)... la composición parece ideada para remover al espectador y lanzarlo de cabeza a la inquietante y martirizada alma del Joker.

"Joker" no es una banda sonora compuesta para disfrutar y escucharla en casa mientras lees un libro, es una composición estrechamente vinculada a la película, con un carácter más narrativo que melódico y con la clara intención de acompañar al Joker hasta su glorioso y demencial cénit.


Los que ya hayáis visto la película, os recomiendo que volváis a ver "Joker" prestando atención a la música de Guðnadóttir para comprender la incidencia que ésta tiene en el contexto del film.

VALORACIÓN: 8/10

viernes, 22 de noviembre de 2019

BERSERKER - AMON AMARTH

TÍTULO: Berserker
AUTOR: Amon Amarth
AÑO: 2019
ESTILO: Death Metal
SELLO: Metal Blade Records

"Se lanzaban a la batalla sin más protección que su piel o cubiertos por pellejos de animales, sedientos de sangre y cegados por una furia implacable, bajo los efectos de algún potente alucinógeno. Guerreros que aullaban, saqueaban y mataban indiscriminadamente a todo lo que se pusiera por delante, ya fueran enemigos o sus propios compañeros. Esta élite de guerreros vikingos, considerada insensible al dolor y capaz de realizar proezas sobrehumanas, ha pasado a la historia bajo el nombre de los Berserker...".

Indudablemente, Amon Amarth se ha convertido en un fenómeno mucho más allá de lo que ellos mismos se podían esperar cuando decidieron ponerse a tocar en el año 1988 bajo el nombre de Scum. Han transcurrido 31 años desde que comenzaron y 21 años si empezamos a contar su historia desde la publicación de "Once sent from the Golden Hall" (1998), ya con el nombre actual del grupo. Así que aunque el death metal no es un estilo que agrade a todo el mundo, Amon Amarth ha logrado reunir una enorme legión de fans alrededor del mundo gracias a la constancia, a la calidad de sus discos, a su entrega y a un enérgico y poderoso directo. Los suecos son, desde hace algunos años, auténticos protagonistas de la escena metálica actual.

Este 2019 publicaban "Berserker", persistiendo en la línea vikinga de su anterior trabajo ("Jomsviking") y siempre próximo a la temática mitológica con los omnipresentes Odín, Thor, Loki y demás dioses del panteón nórdico, sello inconfundible de Amon Amarth. 


Evidentemente, después de diez trabajos de estudio y muchos kilómetros de gira, a veces pasa que un nuevo trabajo no aporta demasiado a tu dilatada carrera. Pues bien, eso es un poco lo que sucede con "Berserker". Lo escuchas y piensas: estos tíos saben lo que hacen, Johan Hegg es el alma máter y sigue abrumando con su voz, los riffs de guitarra conservan ese toque épico, la producción está muy cuidada, dominan a la perfección la ambientación y saben cómo transportarte al frío norte... pero cuando termina la escucha, no hay ninguna canción que pondrías directamente en el top ten de Amon Amarth, no has oído nada que no hayas oído antes y te queda la sensación de que han bajado un peldaño respecto a "Jomsviking" y quedan muy por detrás de discos como "Surtur Rising" o "Deceiver of the Gods".


Y ojo, que "Berserker" tiene buenos temas como "Fafner's Gold", "Shield Wall" o "Skoll and Hati"; así, nos vamos a encontrar un disco perfectamente ejecutado, de cuidadísima producción y que funcionará en su nueva gira con total seguridad... y quizá sea eso lo criticable, que parece un disco elaborado o pensado más para que las canciones deriven en himnos fácilmente coreables, con guitarreos sencillos de recordar y con una puesta en escena que hará las delicias de sus hordas de fans. ¿Quiere eso decir que se está estancando Amon Amarth? bueno, quizás sea pronto para afirmar algo así. Sigue siendo indiscutible su sólida trayectoria, el carisma de Johan Hegg, la profesionalidad de la banda, sus riffs marca de la casa y ese doble bombo atronador. Seguimos ante una banda poderosa, como dije al principio, que vive un momento dulce desde hace unos años y que se ha ganado el respeto del público y de la crítica, pero eso no puede servir de excusa. Podemos decir, sin equivocarnos demasiado, que "Berserker" tiene más de melódico que de death metal y que, salvo por la voz gutural de Hegg, podríamos hablar en ocasiones de un disco más próximo al power metal. Parece que Amon Amarth ha metido en una batidora unos guitarreos molones, una batería forjada por Brok, unas letras pegadizas, unos gramos de fantasía épica, un toque de mitología y la testosterona vikinga y ha parido "Berserker" sin demasiado esfuerzo. 


Y oye, cuando alguien es bueno, cuando alguien te ha ofrecido material de primera, cuando alguien ha irrumpido con tal fuerza, cuando alguien tiene un directo tan brutal como ellos... creo que se les puede exigir más. En definitiva, "Berserker" es un disco más en la carrera de Amon Amarth, que seguirá encantando a sus incondicionales, que agitará unas cuantas cabelleras y que les proporcionará una gira exitosa. Es un trabajo de buena factura que contiene dos o tres temas cañeros, pero espero - por Odín! - que los suecos se superen a sí mismos en su próximo disco.

Os dejo con el videoclip oficial de "Raven's Flight", espero que os guste y nos vemos en el Valhalla!


"Fear not death for the hour of your doom is set and none may escape it"
Völsunga Saga

VALORACIÓN: 7/10

jueves, 14 de noviembre de 2019

MUERTE AL ZAR - FABIEN NURY & THIERRY ROBIN

TÍTULO: Muerte al Zar
AUTOR: Fabien Nury & Thierry Robin
EDITORIAL: Norma Editorial
AÑO: 2017
GÉNERO: Cómic

"Moscú, 17 de septiembre de 1904. Sobre el atrio del palacio del gobernador general, una multitud enfurecida por la miseria y el hambre blande bastones, piedras y verduras podridas. Desde el balcón, el gobernador Sergei Alexandrovitch deja caer su pañuelo... ¿gesto premeditado o accidente involuntario? Poco importa: es la señal. Los soldados se abalanzan sobre la multitud descargando sus armas contra los manifestantes. En un contexto político extremadamente revuelto, donde el pueblo se organiza para lucha contra el régimen autocrático, este episodio firma la sentencia de muerte del Gran Duque".

No es la primera aproximación de Fabien Nury a la historia de Rusia, antes dedicó un álbum a Iosif Vissarionovich Dzhugashvili (más conocido como Stalin), así que podemos afirmar que el guionista francés se mueve bastante bien en territorio ruso. También, como ya sucediera en "La muerte de Stalin", el trabajo a los lápices corre a cargo de Thierry Robin, por lo que parece que el tándem Nury-Robin se encuentra muy cómodo trabajando como equipo en este contexto.

Nury, como ya hiciera en "La muerte de Stalin", decide centrarse en otro episodio capital de la convulsa historia rusa de la primera mitad del siglo XX. En "Muerte al Zar" nos sitúa años antes de la Revolución Rusa, concretamente en el año 1904: la guerra ruso-japonesa está desgastando al país, los judíos han sido expulsados, los disturbios civiles se propagan, el Partido Social-Revolucionario va ganando adeptos y el pueblo está hastiado y hambriento. En el extremo contrario, nos encontramos con la pompa de los zares, encabezados por Nicolás II, y una nobleza rusa que vive muy alejada de la realidad y de las necesidades del pueblo. En esa tesitura y en un Moscú enrarecido, el Gran Duque Sergei Alexandrovitch será el encargado de poner orden como gobernador general de la ciudad.


Para que no perdamos detalle, Nury decide apostar por explicarnos la historia desde dos puntos de vista; lógicamente el del principal afectado, el Gran Duque, pero también podremos ver cómo los anarquistas llevan a cabo sus preparativos para el atentado. Siempre es interesante poder contar con puntos de vista polarizados y el guionista francés ha decidido separarlos "físicamente", es decir, ha dedicado un tomo a cada uno (la edición integral de Norma contiene los dos álbumes originales). Aunque así evita que haya posibles confusiones y que podamos centrarnos en un solo protagonista, en mi opinión no permite comparar lo que va sucediendo al mismo tiempo en uno y otro bando, y tampoco ayuda a que podamos ver cómo el Gran Duque y los anarquistas (capitaneados por el frío y metódico Georgi) sobrellevan una tensión que va in crescendo o a que asistamos a una misma escena desde posiciones distintas. De todos modos, se trata de un pero menor que no resulta determinante para valorar la calidad de la obra.

Incluso para los novatos en la historia de Rusia, este es un cómic sencillo de abordar. No vas a perderte en nombres, dinastías, fechas y lugares, no te estallará la cabeza porque no te quepan más datos históricos, al contrario, porque vas a encontrarte con una historia escrita mil veces antes y que se escribirá mil veces más: la lucha por el poder y la opresión de un pueblo ninguneado. Cambia el año, cambia el siglo, cambia el lugar y cambian los uniformes, pero es una historia demasiadas veces repetida. ¿Es por ello menos original "Muerte al Zar"? pues no y ahí es donde Fabien Nury demuestra su maestría y deja claro porqué es uno de los autores europeos más aclamados del momento.


La historia tiene ritmo y avanza a medida que asistimos al desasosiego del gobernador general de Moscú o vemos cómo los preparativos para el atentado anarquista tropiezan con algunos obstáculos. En "Muerte el Zar" asistiremos a la desazón del Gran Duque Alexandrovitch y al conflicto interior que le provocan las necesidades de un pueblo del que espera recuperar el favor; lo veremos casi arrastrarse por no perder su posición dentro de la nobleza; también seremos testigos de cómo el aparato político y gubernamental lo va considerando un peón prescindible; comprobaremos cómo las clases sociales más desfavorecidas están dispuestas a desafiar al poder imperante casi a cualquier precio y cómo los anarquistas también utilizan a su antojo a sus propios peones.

Respecto al trabajo de Thierry Robin, tal y como sucediera en "La muerte de Stalin", va muy de la mano del guión, logrando transmitir todas las emociones y sufrimiento del Gran Duque gracias a sus miradas y las expresiones faciales, al mismo tiempo que retrata la frialdad de Georgi, siempre con gesto desafiante. Si no has visto nunca las viñetas de Robin, puede sorprender su trazo cuando dibuja los cuerpos o las facciones de algunos personajes. A mí me sucedió, porque a veces los "animaliza" para darles un aspecto más malvado, siniestro o grotesco y porque las proporciones no siempre son las normales, pero es un característica que termina funcionando. Su trabajo es más ortodoxo respecto a los escenarios, ofreciendo unos paisajes, edificios y calles ricas en detalles, que nos permite ver, por ejemplo, la brutal contraposición entre el fasto de los palacios y la miseria de las callejuelas. También es destacable el uso de las sombras.


En definitiva, "Muerte al Zar" es un cómic muy interesante con tintes claramente históricos, pero aderezado por las concesiones a la ficción en aras del entretenimiento.

VALORACIÓN: 7'5/10