30 MONEDAS - ROQUE BAÑOS

TÍTULO: 30 Monedas

AUTOR: Roque Baños

AÑO: 2020

ESTILO: Banda Sonora Original

SELLO: Meliam

"El padre Vergara huye de su pasado refugiándose del mismísimo demonio, que le persigue para recuperar un tesoro, una de las 30 monedas por las que Judas traicionó a Cristo. Es hora de volver a enfrentarse a él y, esta vez, está preparado.

El mal tiene un precio...".

La semana pasada acabé de ver la primera temporada de "30 Monedas" y puedo decir que me he divertido mucho con la serie. No es brillante y tiene algunos - pocos - defectillos, pero me parece un producto genial, con el que he disfrutado como un enano y que me ha ofrecido todo lo que podía esperar de ella.

Álex de la Iglesia - de la mano de su inseparable Jorge Guerricaechevarría - se ha lanzado al que, quizá, sea su proyecto más ambicioso hasta la fecha y lo ha hecho exprimiendo todo ese arsenal de referencias, guiños e inspiraciones que lo han acompañado desde que debutara en 1993 con "Acción Mutante". El director bilbaíno, fiel a sus raíces, ha condensado en la serie "30 Monedas" su fascinación por el terror clásico, la admiración por el cine de John Carpenter y Larry Cohen, su afición por los juegos de rol (en especial, La Llamada de Cthulhu, interés que compartimos), su tendencia al humor negro costumbrista y al folklore más tradicional relacionado con el demonio y la brujería, sin olvidar la presencia del componente religioso y su poderosa imaginería.

Terror, fantasía y acción desatados en un cúmulo de viejos sueños, obsesiones y pasiones de Álex de la Iglesia que, por fin, ven la luz en un remoto pueblo de Segovia... que Nodens os proteja.

"30 Monedas" es una serie potente que mete en la batidora buena parte de mis hobbies y tampoco es la primera vez que en el blog publico entradas relacionadas con Howard Phillips Lovecraft o los Mitos de Cthulhu, así que no podía perderme por nada del mundo esta producción de la HBO... pero, más allá de valorar la serie, que para eso ya hay portales especializados (o no), mi intención es comentar el trabajo del compositor Roque Baños, encargado de musicar esta suerte de partida de rol convertida en serie oscura y demencial de terroríficas aventuras.

No es la primera vez, ni será la última, que Roque Baños trabaja con Álex de la Iglesia. De hecho, su primera colaboración se produce en el año 1999, cuando compone la banda sonora de "Muertos de risa" y, posteriormente, volverán a encontrarse en "La Comunidad" (2000), "800 balas" (2002), "Crimen ferpecto" (2004), "Los crímenes de Oxford" (2008), con la que ganó el Goya, o "Balada triste de trompeta" (2010). También es suya es la música de destacadas películas de nuestro cine como "Celda 211", "El Maquinista", "Alatriste", "Zona hostil" o "La flaqueza del bolchevique", sin olvidar, además, que el músico de Jumilla es uno de nuestros compositores más internacionales y que ha participado en diversas producciones norteamericanas y europeas. Finalmente, para cerrar este breve repaso a su carrera, recordar que también ganó el Goya - al que ha estado nominado en 12 ocasiones - por sus composiciones para "Las 13 Rosas" y "Salomé" (en este caso, a la mejor canción). 

La música de Roque Baños es un ingrediente más del caldo de inquietud y tensión cocinado por Álex de la Iglesia. Es más, me atrevería a decir que es unos de los ingredientes fundamentales de la serie "30 Monedas" y que sin él, algunas de sus escenas, momentos y personajes, quizá no producirían el mismo efecto. Suya es la virtud de enfatizar el caos y el terror, suya la "culpa" de enervar al espectador, suya la responsabilidad de compartir el particular infierno del Padre Vergara... la composición de Baños es lóbrega y, a veces, delirante, siendo plenamente capaz de contribuir al desasosiego y no dar mucha tregua. Sí, es cierto, hay momentos algo más tranquilos, pero sólo son aquellos de carga más dramática, así que tampoco es que conceda demasiados respiros.

La misma violencia, congoja, locura y oscuridad que salpica la serie, queda recogida en la partitura de Roque Baños. No es una de aquellas bandas sonoras que te pondrías para una bonita y soleada mañana de domingo porque, lo más probable, es que terminara estropeándote la mañana. Y no lo digo como crítica, sino como una virtud en su concepción porque ése, y no otro, es el propósito de la música de "30 Monedas": complicarte el día. Algo parecido sucede con la serie; lo que parece un mal día o un día de lo más extraño, tiene una desquiciante prolongación durante semanas y meses que deriva en situaciones que no logras comprender, que escapan a tus capacidades porque son inconcebibles, pero... lo peor es que no acabas de ver el final de ese larguísimo día porque su final tiene un origen remoto y un siniestro pasado. Y esa titánica epopeya rural de los protagonistas es acompañada por la composición de Roque Baños, casi atormentándolos, empujándolos sin compasión hacia una espectacular y terrorífica catarsis.

Para muestra de lo que ofrece la partitura de Roque Baños, sólo es necesario escuchar la apertura de la serie; una especie de música de Semana Santa casi diabólica, una procesión religiosa que, más que acercarnos a la salvación, nos arrastra a la locura. Esa introducción define perfectamente el tortuoso camino por el que transcurrirá "30 Monedas" (este tema, además, irá apareciendo a lo largo de la serie).

Es una banda sonora perfecta para este thriller de terror y fantasía, una música perturbadora, intranquila, intensa y, en algunos pasajes, casi virulenta, que le viene como anillo al dedo a la serie. Álex de la Iglesia dijo una vez "La música de Roque Baños forma parte del plano, no se añade, sino que lo hace más comprensible y emocionante" y lo cierto es que en "30 Monedas" el compositor lo ha vuelto a hacer.

Roque Baños ha conseguido una música potente y poderosa, por una parte, pero al mismo tiempo ha compuesto melodías asfixiantes y enajenadas, siguiendo el ritmo frenético de la serie y adaptándose, en armoniosa combinación, con los diálogos, las secuencias y la historia de "30 Monedas". La música no es un simple relleno, es un actor más de la serie que logra, mediante el juego de contrastes y la sensación de caos, impactar sobre la audiencia de manera inclemente; Álex de la Iglesia, sin duda, debe estar muy satisfecho.

¡Deseando que llegue la segunda temporada!

VALORACIÓN: 7'5/10

PATRICIO REY Y SUS REDONDITOS DE RICOTA - ROCK MADE IN ARGENTINA

Un amigo me recomendó hace unos días que le echara un ojo a un documental que emitía Netflix llamado "Rompan Todo: La historia del rock en América Latina". Más allá de lo que cada uno opine respecto al documental, que no es perfecto y al que le faltan menciones y un mayor recorrido geográfico, la miniserie sí permite hacerse una idea de la gran movida sociopolítica ocurrida en América Latina: la represión policial, las dictaduras, la censura y los problemas que tuvieron que afrontar innumerables bandas y músicos para poder grabar y actuar. El papel de la música para despertar conciencias y la irrupción del rock como actitud desafiante es innegable en todas partes del mundo y por eso, a pesar de sus evidentes carencias, "Rompan Todo: La historia del rock en América Latina" resulta interesante por la cantidad de documentos gráficos que aporta arrojando algo de luz a unas décadas políticamente oscuras y represivas, pero que a nivel musical fue un período fértil y de gran riqueza.

El documental también me sirvió para conocer cantantes y grupos que no había escuchado jamás. Más allá de los célebres Spinetta, Cerati, Los Rodríguez-Calamaro, Café Tacvba, Aterciopelados, Julieta Venegas, Molotov, Charly García o Fito Páez, entre otros, aparecieron muchas bandas importantes y desconocidas para mí, pero de todas ellas la que más me llamó la atención fue Patricio Rey y sus Redondidos de Ricota y no solamente por lo curioso de su nombre, sino por su tremenda repercusión en Argentina y por sus letras y canciones. Me sorprendió que siendo una de las bandas más influyentes e importantes de su país, su impacto en España fuera menor. Y ya que la he descubierto y después de haber hablado con una amiga argentina sobre el documental y sobre el grupo -del que me ha recomendado algún tema-, he pensado que sería bueno presentar a Los Redondos. Así que esto va un poquito por vos, Antonella!

Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota nace en 1976 en la ciudad argentina de La Plata y, a pesar de mantenerse al margen de las grandes discográficas y de funcionar de manera algo independiente, su popularidad fue masiva. De hecho, esa actitud ajena al circuito comercial y ese punto de resistencia y autenticidad, han sido estandarte del grupo, también conocido como Los Redondos, una banda que empezó a dar sus primeros pasos gracias al boca a boca y que no recurrió a la promoción a través de los canales de televisión o los principales diarios argentinos para publicitar sus trabajos de estudio o sus directos. Teniendo en cuenta esos detalles, que llegaran a ser tan emblemáticos y fueran capaces de llenar el Monumental de River con 70.000 personas en los dos recitales celebrados en el año 2000, tiene mucho mérito y resulta casi una proeza increíble.

Aunque Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota tuvieron una larga vida (1976-2001), su discografía no es muy extensa, solamente 9 discos, si bien es cierto que su primer trabajo no se publicó hasta 1985 ("Gulp!"). Antes, con una formación bastante numerosa, pero aún inestable y de la que iba entrando y saliendo gente, habían tocado en teatros underground, bares y pubs, mezclando la música con una especie de divertimento teatral y show artístico de variedades. Podría decirse que su primer paso hacia una fama no buscada lo dan en 1982, fecha en la que graban su primera demo profesional. Ese va a ser el primer granito de arena en el ascenso de unos Redondos que, poco a poco, van dejando atrás su rock teatral para dar paso a una formación más estable y estándar de grupo de rock & roll que se consolida allá por 1987, con Carlos Indio Solari, Eduardo Skay Beilinson, La Negra Poli (mánager) y Ricardo Rocambole Cohen (director artístico y portadista) como miembros originarios de la banda.

Pero sin duda, uno de los años más importantes para Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota es 1986, cuando lanzan "Oktubre", a la postre el álbum más destacado de su carrera y el más significativo, tanto en lo musical porque se distancia del anterior, como en marcado contenido político-ideológico de sus letras. A partir de ese año el grupo pasa a actuar cada vez en lugares capaces de congregar más público y la fama de Los Redondos sube y sube y sube... actuando por primera vez fuera de Argentina en 1989, más concretamente en Montevideo (Uruguay).

El trabajo discográfico y la creatividad de la banda pasa entonces por su momento más prolífico, publicando álbumes en 1988 ("Un baión para el ojo idiota"), 1989 ("¡Bang, bang!... Estás liquidado"), 1991 ("La mosca y la sopa") y 1993 ("Lobo suelto, cordero atado", volúmenes 1 y 2). Para entonces Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota era ya casi una religión, con innumerables seguidores rindiéndoles culto y siguiéndolos allá por donde actuaran, rodeados de una especie de halo de misticismo musical que hicieron suyo muchos jóvenes de los estratos con menos recursos de una Argentina que en los 90 seguía inmersa en un convulso clima político, económico y social.

Los Redondos ya actuaban en grandes estadios, arrastrando mareas y aunque eso, en un inicio, chocara entre algún sector de sus seguidores porque era una especie de traición a su carácter independiente y contrario a la comercialización, supuso la consagración definitiva de una banda que ya venía pisando fuerte. Los 90 es la década de los conciertos masivos, pero también es la década de alberga algunos de los episodios más oscuros sucedidos durante la trayectoria de Los Redondos y que deriva en una violencia latente protagonizada por el público durante sus recitales: problemas con las estructuras de los escenarios, batallas campales, detenciones policiales, heridos e incluso muertos... y, en parte, esa violencia, que el grupo siempre había repudiado, fue una de las causas del final de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota. De hecho en abril de 2000, después de graves altercados en un concierto en el Monumental, el propio Solari ya advirtió, dirigiéndose al público: "Han logrado -refiriéndose a la presión ejercida por la prensa- probablemente que esta sea la última noche que toquemos (...). Nosotros no tenemos ánimo en este momento, hay chicos lastimados (...). Por respeto a ustedes, a toda esta gente que vino hoy de distintos lados vamos a seguir con el show que teníamos para hoy, pero bueno, veámoslo como una de las últimas veces que tocamos". No andaba muy desencaminado el Indio Solari ya que a finales de 2000 publican su último disco, "Momo Sampler", y en noviembre de 2001 Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota oficializan su separación.

También tuvieron su "polémica" con Soda Stereo, otro de los grandes grupos musicales que ha dado Argentina y que estaba comandado por el gran Gustavo Cerati. A finales de los 80 y en la década de los 90, sobre todo entre el público que asistía a sus recitales, existía una rivalidad casi futbolística entre los partidarios de unos y otros (digan de un River-Boca!), como si cada uno fuera de un bando irreconciliable. Bien es cierto que ni el Indio ni Cerati echaron demasiada leña al fuego y aunque hubo alguna declaración cruzada, nunca fueron palabras que alimentaran esa pugna. Es más, cuando ambas bandas terminan disolviéndose, enterraron el hacha de guerra y los dos líderes tuvieron buenas palabras el uno con el otro. Personalmente, me gustan más Los Redondos, pero Soda Stereo tiene auténticos temazos y nadie puede discutir la carrera y el talento natural que corría por las venas del añorado Gustavo Cerati.

Los Redondos han ganado diversos premios musicales, han colocado varios de sus temas entre las mejores canciones del rock argentino y han obtenido menciones en revistas estadounidenses y en la edición argentina de Rolling Stone, destacando de entre todos los reconocimientos el Premio Konex de Platino 2005 a la mejor banda de rock argentino de la década.

Tras la separación, el único músico de Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota que ha mantenido viva la pasión de sus hinchas ha sido Solari que en 2004 fundó Indio Solari y los Fundamentalistas del Aire Acondicionado, banda que sigue teniendo un éxito masivo en sus recitales en lo que supone una suerte continuista del colosal legado musical de Los Redondos.

Y es que, aunque no os suenen de nada, Patricio Rey y sus Redonditos de Ricota es un grupo icónico de la escena argentina, aparecidos lejos del circuito comercial, emblemas de la contracultura y con un éxito abrumador a la altura de las grandes bestias del rock internacional. Si tenéis ocasión, no dudéis en adentraros en su discografía y descubrirlos.

LA LLAMADA DE CTHULHU - H.P. LOVECRAFT & FRANÇOIS BARANGER

TÍTULO: La Llamada de Cthulhu

AUTOR: François Baranger (H.P. Lovecraft)

EDITORIAL: Minotauro

AÑO: 2019

GÉNERO: Terror

"Boston, 1926. Después del fallecimiento en circunstancias extrañas de su tío abuelo, Francis Thurston descubre, en los extraños documentos que ha heredado, la existencia de una secta que rinde culto a una criatura innombrable que duerme desde hace millones de años. Sacrificios indescriptibles practicados en los pantanos de Luisiana, asesinatos misteriosos perpetrados en varios lugares del mundo, artistas sumidos en la demencia a causa de visiones nocturnas aterradoras, el renacimiento de cultos ancestrales y, sobre todo, una ciudad ciclópea surgiendo del océano en medio de una tempestad...Thurston comprenderá poco a poco que las investigaciones de su tío abuelo acerca del culto a Cthulhu se aproximaban mucho a la verdad y que, en las sombras, los adeptos trabajan para despertar a su dios pagano, listos para liberar la locura y la destrucción sobre el mundo... los astros se han alineado, ¿se estará acercando el fin?".

"La llamada de Cthluhu", sin duda alguna la novela más emblemática de Howard Phillips Lovecraft. Escrita en 1926 y publicada por primera vez en 1928 en la prestigiosa revista "Weird Tales", se ha convertido en pilar fundamental de la mitología lovecraftiana y en una de las historias de terror fantástico más famosas de todos los tiempos. Supone la primera aparición del Gran Cthulhu y, a la postre, servirá para convertir al dios primigenio en piedra angular de la cosmogonía del genio de Providence y eje central de todos los relatos relacionados con los Mitos. R'Lyeh aguarda...

Es la primera obra que leí de H.P. Lovecraft, después llegaron otros clásicos como "El horror de Dunwich", "El caso de Charles Dexter Ward", "La sombra sobre Innsmouth" o "En las Montañas de la Locura" y terminé siendo un asiduo al juego de rol también llamado "La Llamada de Cthulhu". He leído muchos libros vinculados a los Mitos de Cthulhu, como algunos relatos de August Derleth o las preciosas ediciones de El Zorro Rojo, e interesantísimos cómics, como los de Alan Moore o de I.N.J. Culbard, pero admito que hasta ahora no había tenido entre las manos algo tan hermoso y espectacular como el trabajo de François Baranger.

Baranger es un declarado admirador de la obra de Lovecraft y había realizado ya varias ilustraciones inspiradas en su universo, pero es ahora cuando decide lanzarse a la fascinante aventura de representar, con magníficas imágenes, los principales relatos del escritor de Providence. El resultado es brillante, con un estilo que encaja como anillo al dedo y que sirve para ilustrar, con elegancia, pero a la vez con angustiosa oscuridad, los siniestros pasajes literarios de H.P. Lovecraft.

No voy a hablaros mucho de la novela. "La llamada de Cthulhu" es un clásico que, básicamente, llevará a su protagonista, Francis Thurston, a comprender que existen cosas que escapan al conocimiento común de los mortales, que habitan más allá de las sombras y que sólo esperan el momento oportuno para regresar y desatar el caos. El rey del océano duerme, pero su sueño no será eterno...

En "La llamada de Cthulhu", el trazo y los colores empleados por Baranger para dar vida a las letras de Lovecraft no podrían ser más acertados, recogiendo a la perfección las sensaciones, emociones y temores con las que el escritor impregnaba sus relatos. Esa atmósfera opresiva e insana que va estrechando el cerco sobre el protagonista, Francis Thurston, y ese terror invisible, pero a la vez palpable, queda plasmado en unas láminas de belleza siniestra y ciclópea que da gusto observar con calma una y otra vez, apreciando todos los detalles y la dedicación del ilustrador francés.

François Baranger, que ha trabajado como artista conceptual en películas tan importantes como Harry Potter, Furia de Titanes o La bella y la bestia, recibe elogios del mismísimo Jon Howe (autor del prólogo, además), un reputado ilustrador de fantasía conocido, básicamente, por sus dibujos inspirados en la obra de Tolkien y que colaboró con Peter Jackson en la trilogía de "El Señor de los Anillos" a la hora de recrear escenarios y personajes. Howe llega a afirmar que el estilo de Baranger "habría complacido al propio Lovecraft", humildemente os diré que comparto su opinión.

La edición de Minotauro es una maravilla en todos los sentidos; la calidad del papel satinado, las sobrecubiertas que esconden una cubierta con portada alternativa y, sobre todo, el tamaño de la publicación (36x27) que permite a los dibujos del artista francés lucir aún más. Cada página de las 64 que forman "La llamada de Cthulhu" contiene ilustraciones, alguna a doble página, ofreciendo al lector la posibilidad de disfrutar del libro y sumergirse aún más en el relato... y es que si la historia de Lovecraft ya era buena, gracias a Baranger cobra una nueva dimensión.

"La llamada de Cthulhu" es un título capital de fantasía y terror y esta es una edición espectacular, imperdible para todos los fans de Lovecraft, pero igual de imperdible para cualquier lector y lectora. Una obra preciosamente aterradora, hermosamente tenebrosa y de horrible belleza.

P.d.- Y como los dioses primigenios, en contadas ocasiones, son buenos, Minotauro ya ha publicado el siguiente trabajo de Baranger: "En las Montañas de la Locura".

VALORACIÓN: 10/10

El CASTIGADOR: SOVIÉTICO - GARTH ENNIS & JACEN BURROWS

TÍTULO: El Castigador: Soviético

AUTOR: Garth Ennis & Jacen Burrows

EDITORIAL: Panini Comics

AÑO: 2020

GÉNERO: Cómic

"Conociendo la estricta rutina de Frank Castle a la hora de afrontar su vocación - la limpieza a fondo del mundo del crimen -, el hallazgo de una docena de mafiosos rusos muertos a sus pies, en una escena del crimen que muestra su mismo modus operandi... plantea muchas e inquietantes preguntas. ¿Quién apretó el gatillo? ¿Cómo y porqué se adelanto a El Castigador? ¿Qué ocurrirá cuando estos dos justicieros (y verdugos) se encuentren cara a cara? ".

Hace poco un buen amigo se acordó de mí y me recomendó "El Castigador: Soviético". Él es un gran fan de The Punisher y a mí me encanta la historia de la Revolución Rusa y la posterior Unión Soviética, así que le hice caso porque me parecía una apuesta segura; mi amigo no se equivocaba, gracias camarada Jordi!

Garth Ennis y Frank Castle, menuda pareja. No soy un gran lector de El Castigador, pero sí había leído antes al guionista norirlandés y siempre lo había pasado bien, sólo tienes que tener un poquito de estómago, nada más, porque es imposible no disfrutar de sus guiones cargados de violencia, humor negro y cinismo. Ahora echa cuentas y vuelve a pensar en Garth Ennis y Frank Castle, pues el resultado es "El Castigador: Soviético", un cómic brutal, visceral y salvaje que contiene una historia de venganza no apta para lectores sensibles.

En el cómic no vamos a encontrar nada prácticamente nuevo desde que El Castigador naciera en Marvel allá por 1974 o al menos nada que el lector habitual de Garth Ennis no haya visto antes: una historia bélica de trasfondo, bastante sangre, violencia extrema, camaradería y ese toque de humor tan del norirlandés. Es The Punisher en estado puro o por lo menos en el estado en el que lo concibe un Ennis que, al fin y al cabo, tiene una larga y estrecha relación con el personaje y que por muchos está considerado como uno de lo mejores guionistas de Frank Castle.

"El Castigador: Soviético" es una buena historia en la que The Punisher va a conocer a su alter ego soviético, Valery Stepanovich, un soldado maltratado por la Madre Rusia. Juntos, van a compartir una misión que dejará un rastro de sangre allá por donde pasen. Sin contemplaciones y sin un atisbo de duda porque ambos saben perfectamente lo que hacen, porqué lo hacen y cómo lo hacen, aunque resulta muy interesante ver el contraste entre ambas personalidades; la del siempre taciturno Castle al lado de un dicharachero Stepanovich. Caracteres diferentes, pero un pasado -con matices- en común y un mismo propósito. El modus operandi de uno y otro, el pasado militar y la vocación de justicieros va a unir a este par de soldados a lo largo de 136 páginas en las que podremos disfrutar de una camaradería creciente que El Castigador deja patente cuando afirma cosas tales como "hacía tiempo desde que había confiado en alguien en combate" o "y estaba la sensación que siempre tienes, muy deprisa, de quién la va a cagar y quién no".

No es necesario que hayas leído nada previamente sobre The Punisher, pero si no conocías a Garth Ennis desde luego con este cómic tendrás tu bautismo de fuego. "El Castigador: Soviético" es una historia cerrada, de esas atemporales, lejos de arcos argumentales y tramas venidas de tiempo atrás, lo cual también le permite al norirlandés caminar libremente... y el fin justifica los medios. Implacable como solamente Garth Ennis ha sabido describir a Frank Castle, estamos ante un cómic cargado de acción, ciertas reflexiones entre excombatientes, una trama interesante (aunque no muy compleja ni novedosa) y ese morbo que siempre despierta mezclar a rusos y americanos, además de un buen puñado de explosiones y plomo, sello inconfundible del tándem Ennis-Punisher.

Por último destacar la labor de Jacen Burrows a los lápices que, sin realizar un trabajo sobresaliente, sabe recoger perfectamente las ideas de Garth Ennis y plasmar ese crudo realismo a las viñetas. Algunas escenas son más simples e irregulares, mientras que otras están repletas de detalles, tanto que incluso pueden llegar a resultar desagradables... pero es que las historias de violencia nunca fueron una bonita puesta de sol. Burrows, que ya había trabajado con Ennis en series como "Crossed" o "303" y que también ha dado vida a ideas de destacados talentos como los de Alan Moore, Warren Ellis o Bendis, cumple a los lápices y, en determinados momentos, es capaz de remover, enfatizar y dotar de tensión y acción el trepidante thriller desarrollado por el guionista norirlandés.

En definitiva, un cómic muy entretenido y recomendable bien presentado por Panini Cómics, tanto para los fans de El Castigador como para los que nunca hayan leído nada sobre él y larga vida a un Garth Ennis que dejó muy claro que, en relación a Frank Castle, "quizás el lector se alegre de saber que aún no hemos terminado el uno con el otro... ni de coña".

VALORACIÓN: 8/10

ASSASSIN'S CREED: VALHALLA - JESPER KYD, SARAH SCHACHNER & EINAR SELVIK

TÍTULO: Assassin's Creed: Valhalla

AUTOR: Jesper Kyd, Sarah Schachner & Einar Selvik

AÑO: 2020

ESTILO: Banda Sonora Original

SELLO: Ubisoft

"Ponte en la piel de Eivor y lidera a tu clan desde los gélidos páramos de Noruega hasta un nuevo hogar en los exuberantes campos de Inglaterra del siglo XI. Funda tu asentamiento, conquista esa tierra hostil cueste lo que cueste y gánate un lugar en el Valhalla. La Inglaterra de la era vikinga es una nación fracturada, plagada de ruines señores feudales y reinos en guerra... pero bajo ese caos yace una tierra rica e indómita que aguarda a que alguien la conquiste. ¿Serás tú quien lo logre?".

Assassin's Creed es una aclamada y longeva saga de videojuegos lanzada por la compañía Ubisoft allá por el año 2007 y que este invierno de 2020, concretamente el 10 de noviembre, añadirá un capítulo más a su larga historia: "Assassin's Creed: Valhalla". Una franquicia que ha dado lugar a libros, cómics e incluso una película, además del consiguiente merchandising, y que con cada lanzamiento presenta unos tráilers cinemáticos que son una auténtica maravilla.

Como podéis imaginaros la ambientación de "Assassin's Creed: Valhalla" será vikinga y tendrá lugar en el siglo XI y en el joven y convulso Reino de Inglaterra. Lo cierto es que la Inglaterra de principios del siglo XI vivió la segunda oleada de invasores daneses (la primera había tenido lugar en el siglo IX), que supieron aprovechar la crisis política inglesa y hacerse con el poder hasta tal punto que los anglosajones nombraron rey al danés Svend Haraldsson... pero eso es Historia y es otra historia.

La temática vikinga lleva tiempo de moda. Siempre ha sido una cultura atractiva de la que nos han llegado muchas leyendas sobre la furia de sus guerreros, sus expediciones, sus saqueos, sus dioses, los drakkars, los berserkers... todo un universo casi mítico que con series como "Vikings" o "Last Kingdom", personajes como Thor o Loki, grupos musicales como Amon Amarth e incontables libros y cómics han permitido a estos rudos nórdicos desembarcar en más costas de las que pudieran haber imaginado jamás.

Assassin's Creed cuenta en sus entregas con multitud de momentos históricos importantes: las Cruzadas, el Renacimiento italiano, la guerra de independencia de los Estados Unidos, la edad de oro de la piratería, la Revolución Francesa o  la Inglaterra Victoriana, sin olvidar sus capítulos ambientados en el Antiguo Egipto o durante las Guerras del Peloponeso, pero aún no habían recurrido a la poderosa presencia vikinga para protagonizar uno de sus videojuegos. Ahora los fans de la saga podrán, por fin, encomendarse a Odín e invadir las costas inglesas en busca de un nuevo hogar lejos de la frías tierras noruegas.

No soy un gran jugador de Assassin's Creed, pero sí me gusta ver sus tráilers y escuchar sus bandas sonoras porque la música de la franquicia es otro sus puntos fuertes. Han desfilado compositores de la talla de Lorne Balfe (Terminator Génesis o Misión Imposible: Fallout), Bear McCreary (God of War, Black Sails u Outlander) o Brian Tyler (Thor: Mundo Oscuro, Vengadores: la Era de Ultrón o John Rambo). Y es que esta saga cuida con detalle cualquier aspecto del juego y la música, como sucede a veces en el cine, ayuda a que la historia que nos quieren contar nos llegue de manera más intensa y sensorial.

Para "Assassin's Creed: Valhalla" han vuelto a contar con el danés Jesper Kyd - excelente su trabajo con las aventuras de Ezio Auditore- y con la americana Sarah Schachner, músicos que ya habían colaborado en entregas anteriores, pero es que además han decidido sumar al proyecto al gran Einar Selvik. Para los que no conozcan a Selvik, hablamos de un músico noruego que empezó su carrera en grupos de heavy metal y que posteriormente fundó el grupo Wardruna para cantar sobre la mitología nórdica utilizando instrumentos tradicionales y recuperar la tradición de los skalds, antiguos poetas de la época vikinga. Además, como curiosidad, Einar Selvik participó brevemente en un episodio de "Vikings" y compuso la canción "Voluspá" que también aparece en la serie y cuyo vídeo podéis ver seguidamente:

Con esos ingredientes, la banda sonora de "Assassin's Creed: Valhalla" parecía estar en buenas manos y después de haberla podido escuchar varias veces, puedo deciros que es una maravilla y que han conseguido sugerir a la perfección la atmósfera vikinga. Han optado por una composición más mística y solemne gracias a la voz de Einar Selvik, a las cuerdas de Sarah Schachner y la presencia de evocadores coros femeninos y de percusiones e instrumentos muy acordes al folklore vikingo. No quiere decir que no tenga tintes épicos, pero no vamos a encontrar un tema de batalla al uso, aunque sin duda los cortes de Jesper Kyd son los más oscuros de la banda sonora.

"Assassin's Creed: Valhalla" es una hermosa composición, a ratos brillante, a ratos más oscura y tormentosa, pero siempre con ese aura de misticismo que tanto asociamos a la cultura vikinga. La banda sonora compuesta por los tres músicos encaja a la perfección con todo lo que se puede esperar de un juego ambientado en la invasión vikinga de la Inglaterra del siglo XI, aunque, por mi parte, he echado de menos algún tema más cargado de épica y acción. En líneas generales es una partitura excelente y  que, gracias a la presencia de Einar Selvik (os animo a descubrir su proyecto musical Wardruna), suma números para ser considerada como una de las mejores bandas sonoras de la saga Assassin's Creed.

Os dejo con el tema principal de "Asssassin's Creed: Valhalla":

VALORACIÓN: 8'5/10