THE BATMAN - MICHAEL GIACCHINO

TÍTULO: The Batman

AUTOR: Michael Giacchino

AÑO: 2022

ESTILO: Banda Sonora Original

SELLO: Water Tower Music

"En el segundo año de su lucha contra el crimen, Batman investiga la corrupción que recorre Gotham City y cómo esta conduce hasta su propia familia, mientras se enfrenta a un asesino conocido como Enigma".

Batman, uno de los grandes iconos de la industria del cómic y, sin duda, el enmascarado más famoso de DC Comics. Batman, posiblemente el personaje más atormentado creado jamás, en permanente conflicto consigo mismo y rebosante de dilemas morales. Batman, probablemente unos de los personajes que más veces se haya llevado al cine y que más ha visto evolucionar su figura, desde los tiempos de Tim Burton hasta esta última interpretación de Matt Reeves, sin olvidar, por supuesto, la obra maestra que firmó Christopher Nolan. Batman -creado en el año 1939 por Bob Kane & Bill Finger- ha logrado llegar al año 2022 en plena forma y tratando de demostrar que aún hay historias interesantes que contar sobre él.

Parecía que después de la monumental trilogía de Nolan no quedaba nada más que decir y que el guardián de Gotham había tocado techo. Disociar la imagen de Christian Bale, imaginar a otro bajo la capucha, era complicado, pero primero Ben Affleck y ahora Robert Pattinson, han logrado que la leyenda de Batman renazca una vez más. Algo similar sucedía con la música que acompañaba a Batman, estrechamente vinculada a la omnipresente figura de Hans Zimmer. El alemán había compuesto la banda sonora de "Batman Begins", "The Dark Knight" (ambas junto a James Newton Howard) y "The Dark Knight Rises" y, además, también era autor del soundtrack de "Batman vs Superman: Dawn of Justice" (esta vez en colaboración con Junkie XL). Aunque, para qué negarlo, algunos le seguíamos teniendo mucho cariño a la partitura de Danny Elfman para el "Batman" de 1989. Y de eso precisamente voy a hablaros, de la banda sonora de "The Batman".

¿Está el "The Batman" de Michael Giacchino a la altura de sus predecesores? Bueno, experiencia no le falta y ya ha transitado el universo de los superhéroes con buenas partituras como las que acompañan a la última y exitosa saga de Spiderman o la de "Doctor Strange". Además, conviene destacar su buen hacer en la trilogía de "El Planeta de los Simios", en el relanzamiento de los entrañables dinosaurios de Spielberg con "Jurassic World" o en "Rogue One: a Star Wars story", sin olvidar que posee auténticas joyas como "Up", "Ratatouille" o "Star Trek". Queda claro, pues, que estamos ante un gran compositor, acostumbrado a superproducciones y con una trayectoria más que sólida.

El resultado es, en mi opinión, excelente; "The Batman" es oscura, angustiosa, con escasos momentos de respiro, con un punto cercano al terror, algunos pasajes rayando el desquicie y muy pocas concesiones para lo hermoso. El tema de apertura es toda una declaración de intenciones, contiene todos los matices que vamos a encontrar a lo largo de casi dos horas de banda sonora. Da la sensación de que Giacchino, prácticamente, compone basándose en la abrumada mente de Bruce Wayne-Batman y sus constantes disyuntivas, apenas ofrece descanso y cuando, por fin, llegan unas notas más tranquilas y hermosas... te libera un instante para que puedas volver a coger aire, pero dura poco: el ambiente opresivo de Gotham volverá a apoderarse de todo.

Tal vez no sea una composición para ser escuchada sin la película, no es tan disfrutable como otras piezas de Michael Giacchino, pero es una partitura perfecta para "The Batman". Acompañarlo por los bajos fondos de Gotham City, descubrir la corrupción que pudre la ciudad, conocer a los personajes siniestros que manejan los hilos del poder y no poder quitarte de encima esa pegajosa e inevitable sensación de que no puedes confiar en nadie; todas y cada una de esas percepciones angustiosas quedan muy bien recogidas en la música de Giacchino.

No es una partitura poderosa y épica como la de Zimmer, aunque de vez en cuando flirtee con las percusiones, y tampoco es una composición pletórica y gótica como era la de Elfman, pero Giacchino ha logrado imprimirle su propia personalidad, generando una nueva sonoridad para el personaje. "The Batman" es variada en una instrumentación en la que caben hasta las campanas, el protagonismo irá saltando de los instrumentos de cuerda a los de viento, aunque, para mí, es fundamental la presencia del piano. No abusa de los coros, casi siempre en un inquietante segundo plano, y salvo por algún pasaje frenético en el que pisa el acelerador, es una partitura que avanza lentamente, que no te suelta nunca y que posee una encanto hipnótico.

En definitiva, "The Batman" es una buena película del Caballero Oscuro de Gotham con una composición a la altura del mítico personaje.

VALORACIÓN: 8/10

30 MONEDAS - ROQUE BAÑOS

TÍTULO: 30 Monedas

AUTOR: Roque Baños

AÑO: 2020

ESTILO: Banda Sonora Original

SELLO: Meliam

"El padre Vergara huye de su pasado refugiándose del mismísimo demonio, que le persigue para recuperar un tesoro, una de las 30 monedas por las que Judas traicionó a Cristo. Es hora de volver a enfrentarse a él y, esta vez, está preparado.

El mal tiene un precio...".

La semana pasada acabé de ver la primera temporada de "30 Monedas" y puedo decir que me he divertido mucho con la serie. No es brillante y tiene algunos - pocos - defectillos, pero me parece un producto genial, con el que he disfrutado como un enano y que me ha ofrecido todo lo que podía esperar de ella.

Álex de la Iglesia - de la mano de su inseparable Jorge Guerricaechevarría - se ha lanzado al que, quizá, sea su proyecto más ambicioso hasta la fecha y lo ha hecho exprimiendo todo ese arsenal de referencias, guiños e inspiraciones que lo han acompañado desde que debutara en 1993 con "Acción Mutante". El director bilbaíno, fiel a sus raíces, ha condensado en la serie "30 Monedas" su fascinación por el terror clásico, la admiración por el cine de John Carpenter y Larry Cohen, su afición por los juegos de rol (en especial, La Llamada de Cthulhu, interés que compartimos), su tendencia al humor negro costumbrista y al folklore más tradicional relacionado con el demonio y la brujería, sin olvidar la presencia del componente religioso y su poderosa imaginería.

Terror, fantasía y acción desatados en un cúmulo de viejos sueños, obsesiones y pasiones de Álex de la Iglesia que, por fin, ven la luz en un remoto pueblo de Segovia... que Nodens os proteja.

"30 Monedas" es una serie potente que mete en la batidora buena parte de mis hobbies y tampoco es la primera vez que en el blog publico entradas relacionadas con Howard Phillips Lovecraft o los Mitos de Cthulhu, así que no podía perderme por nada del mundo esta producción de la HBO... pero, más allá de valorar la serie, que para eso ya hay portales especializados (o no), mi intención es comentar el trabajo del compositor Roque Baños, encargado de musicar esta suerte de partida de rol convertida en serie oscura y demencial de terroríficas aventuras.

No es la primera vez, ni será la última, que Roque Baños trabaja con Álex de la Iglesia. De hecho, su primera colaboración se produce en el año 1999, cuando compone la banda sonora de "Muertos de risa" y, posteriormente, volverán a encontrarse en "La Comunidad" (2000), "800 balas" (2002), "Crimen ferpecto" (2004), "Los crímenes de Oxford" (2008), con la que ganó el Goya, o "Balada triste de trompeta" (2010). También es suya es la música de destacadas películas de nuestro cine como "Celda 211", "El Maquinista", "Alatriste", "Zona hostil" o "La flaqueza del bolchevique", sin olvidar, además, que el músico de Jumilla es uno de nuestros compositores más internacionales y que ha participado en diversas producciones norteamericanas y europeas. Finalmente, para cerrar este breve repaso a su carrera, recordar que también ganó el Goya - al que ha estado nominado en 12 ocasiones - por sus composiciones para "Las 13 Rosas" y "Salomé" (en este caso, a la mejor canción). 

La música de Roque Baños es un ingrediente más del caldo de inquietud y tensión cocinado por Álex de la Iglesia. Es más, me atrevería a decir que es unos de los ingredientes fundamentales de la serie "30 Monedas" y que sin él, algunas de sus escenas, momentos y personajes, quizá no producirían el mismo efecto. Suya es la virtud de enfatizar el caos y el terror, suya la "culpa" de enervar al espectador, suya la responsabilidad de compartir el particular infierno del Padre Vergara... la composición de Baños es lóbrega y, a veces, delirante, siendo plenamente capaz de contribuir al desasosiego y no dar mucha tregua. Sí, es cierto, hay momentos algo más tranquilos, pero sólo son aquellos de carga más dramática, así que tampoco es que conceda demasiados respiros.

La misma violencia, congoja, locura y oscuridad que salpica la serie, queda recogida en la partitura de Roque Baños. No es una de aquellas bandas sonoras que te pondrías para una bonita y soleada mañana de domingo porque, lo más probable, es que terminara estropeándote la mañana. Y no lo digo como crítica, sino como una virtud en su concepción porque ése, y no otro, es el propósito de la música de "30 Monedas": complicarte el día. Algo parecido sucede con la serie; lo que parece un mal día o un día de lo más extraño, tiene una desquiciante prolongación durante semanas y meses que deriva en situaciones que no logras comprender, que escapan a tus capacidades porque son inconcebibles, pero... lo peor es que no acabas de ver el final de ese larguísimo día porque su final tiene un origen remoto y un siniestro pasado. Y esa titánica epopeya rural de los protagonistas es acompañada por la composición de Roque Baños, casi atormentándolos, empujándolos sin compasión hacia una espectacular y terrorífica catarsis.

Para muestra de lo que ofrece la partitura de Roque Baños, sólo es necesario escuchar la apertura de la serie; una especie de música de Semana Santa casi diabólica, una procesión religiosa que, más que acercarnos a la salvación, nos arrastra a la locura. Esa introducción define perfectamente el tortuoso camino por el que transcurrirá "30 Monedas" (este tema, además, irá apareciendo a lo largo de la serie).

Es una banda sonora perfecta para este thriller de terror y fantasía, una música perturbadora, intranquila, intensa y, en algunos pasajes, casi virulenta, que le viene como anillo al dedo a la serie. Álex de la Iglesia dijo una vez "La música de Roque Baños forma parte del plano, no se añade, sino que lo hace más comprensible y emocionante" y lo cierto es que en "30 Monedas" el compositor lo ha vuelto a hacer.

Roque Baños ha conseguido una música potente y poderosa, por una parte, pero al mismo tiempo ha compuesto melodías asfixiantes y enajenadas, siguiendo el ritmo frenético de la serie y adaptándose, en armoniosa combinación, con los diálogos, las secuencias y la historia de "30 Monedas". La música no es un simple relleno, es un actor más de la serie que logra, mediante el juego de contrastes y la sensación de caos, impactar sobre la audiencia de manera inclemente; Álex de la Iglesia, sin duda, debe estar muy satisfecho.

¡Deseando que llegue la segunda temporada!

VALORACIÓN: 7'5/10

ASSASSIN'S CREED: VALHALLA - JESPER KYD, SARAH SCHACHNER & EINAR SELVIK

TÍTULO: Assassin's Creed: Valhalla

AUTOR: Jesper Kyd, Sarah Schachner & Einar Selvik

AÑO: 2020

ESTILO: Banda Sonora Original

SELLO: Ubisoft

"Ponte en la piel de Eivor y lidera a tu clan desde los gélidos páramos de Noruega hasta un nuevo hogar en los exuberantes campos de Inglaterra del siglo XI. Funda tu asentamiento, conquista esa tierra hostil cueste lo que cueste y gánate un lugar en el Valhalla. La Inglaterra de la era vikinga es una nación fracturada, plagada de ruines señores feudales y reinos en guerra... pero bajo ese caos yace una tierra rica e indómita que aguarda a que alguien la conquiste. ¿Serás tú quien lo logre?".

Assassin's Creed es una aclamada y longeva saga de videojuegos lanzada por la compañía Ubisoft allá por el año 2007 y que este invierno de 2020, concretamente el 10 de noviembre, añadirá un capítulo más a su larga historia: "Assassin's Creed: Valhalla". Una franquicia que ha dado lugar a libros, cómics e incluso una película, además del consiguiente merchandising, y que con cada lanzamiento presenta unos tráilers cinemáticos que son una auténtica maravilla.

Como podéis imaginaros la ambientación de "Assassin's Creed: Valhalla" será vikinga y tendrá lugar en el siglo XI y en el joven y convulso Reino de Inglaterra. Lo cierto es que la Inglaterra de principios del siglo XI vivió la segunda oleada de invasores daneses (la primera había tenido lugar en el siglo IX), que supieron aprovechar la crisis política inglesa y hacerse con el poder hasta tal punto que los anglosajones nombraron rey al danés Svend Haraldsson... pero eso es Historia y es otra historia.

La temática vikinga lleva tiempo de moda. Siempre ha sido una cultura atractiva de la que nos han llegado muchas leyendas sobre la furia de sus guerreros, sus expediciones, sus saqueos, sus dioses, los drakkars, los berserkers... todo un universo casi mítico que con series como "Vikings" o "Last Kingdom", personajes como Thor o Loki, grupos musicales como Amon Amarth e incontables libros y cómics han permitido a estos rudos nórdicos desembarcar en más costas de las que pudieran haber imaginado jamás.

Assassin's Creed cuenta en sus entregas con multitud de momentos históricos importantes: las Cruzadas, el Renacimiento italiano, la guerra de independencia de los Estados Unidos, la edad de oro de la piratería, la Revolución Francesa o  la Inglaterra Victoriana, sin olvidar sus capítulos ambientados en el Antiguo Egipto o durante las Guerras del Peloponeso, pero aún no habían recurrido a la poderosa presencia vikinga para protagonizar uno de sus videojuegos. Ahora los fans de la saga podrán, por fin, encomendarse a Odín e invadir las costas inglesas en busca de un nuevo hogar lejos de la frías tierras noruegas.

No soy un gran jugador de Assassin's Creed, pero sí me gusta ver sus tráilers y escuchar sus bandas sonoras porque la música de la franquicia es otro sus puntos fuertes. Han desfilado compositores de la talla de Lorne Balfe (Terminator Génesis o Misión Imposible: Fallout), Bear McCreary (God of War, Black Sails u Outlander) o Brian Tyler (Thor: Mundo Oscuro, Vengadores: la Era de Ultrón o John Rambo). Y es que esta saga cuida con detalle cualquier aspecto del juego y la música, como sucede a veces en el cine, ayuda a que la historia que nos quieren contar nos llegue de manera más intensa y sensorial.

Para "Assassin's Creed: Valhalla" han vuelto a contar con el danés Jesper Kyd - excelente su trabajo con las aventuras de Ezio Auditore- y con la americana Sarah Schachner, músicos que ya habían colaborado en entregas anteriores, pero es que además han decidido sumar al proyecto al gran Einar Selvik. Para los que no conozcan a Selvik, hablamos de un músico noruego que empezó su carrera en grupos de heavy metal y que posteriormente fundó el grupo Wardruna para cantar sobre la mitología nórdica utilizando instrumentos tradicionales y recuperar la tradición de los skalds, antiguos poetas de la época vikinga. Además, como curiosidad, Einar Selvik participó brevemente en un episodio de "Vikings" y compuso la canción "Voluspá" que también aparece en la serie y cuyo vídeo podéis ver seguidamente:

Con esos ingredientes, la banda sonora de "Assassin's Creed: Valhalla" parecía estar en buenas manos y después de haberla podido escuchar varias veces, puedo deciros que es una maravilla y que han conseguido sugerir a la perfección la atmósfera vikinga. Han optado por una composición más mística y solemne gracias a la voz de Einar Selvik, a las cuerdas de Sarah Schachner y la presencia de evocadores coros femeninos y de percusiones e instrumentos muy acordes al folklore vikingo. No quiere decir que no tenga tintes épicos, pero no vamos a encontrar un tema de batalla al uso, aunque sin duda los cortes de Jesper Kyd son los más oscuros de la banda sonora.

"Assassin's Creed: Valhalla" es una hermosa composición, a ratos brillante, a ratos más oscura y tormentosa, pero siempre con ese aura de misticismo que tanto asociamos a la cultura vikinga. La banda sonora compuesta por los tres músicos encaja a la perfección con todo lo que se puede esperar de un juego ambientado en la invasión vikinga de la Inglaterra del siglo XI, aunque, por mi parte, he echado de menos algún tema más cargado de épica y acción. En líneas generales es una partitura excelente y  que, gracias a la presencia de Einar Selvik (os animo a descubrir su proyecto musical Wardruna), suma números para ser considerada como una de las mejores bandas sonoras de la saga Assassin's Creed.

Os dejo con el tema principal de "Asssassin's Creed: Valhalla":

VALORACIÓN: 8'5/10

THE LAST KINGDOM - JOHN LUNN & EIVØR PÁLSDÓTTIR

TÍTULO: The Last Kingdom

AUTOR: John Lunn & Eivør Pálsdóttir

AÑO: 2015

ESTILO: BSO

SELLO: Sony Classical

"Es el año 872, casi todos los reinos que hoy conocemos como Inglaterra han sido invadidos por los vikingos, sólo permanece inexpugnable y desafiante el gran reino de Wessex bajo el mando del rey Alfredo el Grande.
Después de que sus padres, sajones nobles, fueran asesinados por los invasores, fue capturado y criado como uno de ellos. Obligado a elegir entre sus orígenes y el pueblo con el que ha crecido, su lealtad estará siempre a prueba. ¿Qué es, un sajón o un vikingo? En su búsqueda por reclamar sus derechos de nacimiento, Uhtred deberá recorrer un camino peligroso entre ambos bandos".

"The Last Kingdom" es una serie de la BBC basada en las novelas del británico Bernard Cornwell (ha publicado 10 hasta el momento) y que puede verse a través de Netflix. De momento son 4 temporadas, la última estrenada a finales del pasado mes de abril, en las que el osado guerrero Uhtred, acompañado por unos cuantos fieles seguidores, tiene que lidiar entre sajones y daneses mientras la idea de una Inglaterra unida, sueño del Rey Alfredo el Grande, va tomando forma a trompicones y regando con sangre el territorio. Así que estamos ante una serie de corte histórico, aderezada con todos los ingredientes de ficción necesarios para que enganche. No es "Juego de Tronos", tampoco es "Vikings", pero podría decirse que es casi una combinación de ambas (obviando el componente fantástico de la serie basada en las novelas de George RR Martin). A mí me parece una serie muy recomendable; personajes carismáticos, papeles femeninos interesantes, batallas épicas que no ahorran detalles sangrientos, ese punto atractivo que tiene la cultura vikinga y sus dioses, además de tiempo para las historias de amor y también para el humor y el ingenio. Y bien es sabido que la BBC casi siempre suele ser sinónimo de calidad.

De todos modos, ya sabéis que este no es un blog sobre películas o series, así que toca hablaros de la banda sonora que John Lunn, acompañado por la cantante feroesa Eivør Pálsdóttir, ha compuesto para "The Last Kingdom". Como era de esperar, la composición tiene toques de música celta que evocan paisajes y tiempos remotos, que se enriquecen con la voz de Eivør y que también sirven para enfatizar los momentos de carga más dramática o emotiva, además de contener temas más contundentes, donde la percusión cobra protagonismo, para potenciar las secuencias de acción y para las batallas en campo abierto.

No es la primera vez que el escocés John Lunn colabora con la BBC, de hecho suya es la música de la multipremiada "Downton Abbey" (también compuso la bso para su adaptación al cine) y tampoco es la primera vez que compone música para televisión, ya que es un asiduo en este medio desde 1989. Lo cierto es que acumula unos cuantos galardones y es probable que a algún lector le suene porque también ha puesto música a otras series británicas como "The white Queen", "Shetland" o la reciente "Belgravia", pero sin duda ha sido su trabajo en "Downton Abbey" lo que le ha catapultado al éxito y consagrado de forma definitiva.

Acostumbrado, pues, a los dramas de época, a creaciones más orquestales y complejas, "The Last Kingdom" se le ha presentado como una oportunidad para explorar nuevos terrenos y, sin duda, trabajar con Eivør Pálsdóttir ha ayudado a que el compositor saliera de su zona de confort. El uso de los sintetizadores modernos, mezclados con los instrumentos de cuerda y las percusiones de corte más ancestral, aunados a la voz de la cantante, logran una atmósfera muy interesante en la que conviven lo salvaje, lo onírico, lo evocador...

Eivør Pálsdóttir ha sido la encargada de acompañar con su voz a la música del escocés, creando entre ambos una atmósfera única y muy hermosa que enriquece y complementa a la perfección el apartado visual de la serie. Eivør es una cantautora nacida en Islas Feroe y, en sus inicios, su carrera como cantante se desarrolló principalmente en los países nórdicos... quién sabe, quizás ese "conocimiento" del terreno escandinavo y nórdico le haya servido de inspiración a la hora desarrollar el apartado vocal de la banda sonora. A buen seguro que "The Last Kingdom" le abrirá nuevas puertas.

"The Last Kingdom" se divide en 10 cortes que suponen algo más de 50 minutos de música con cierto aire bucólico en temas como "Icicle" o "Helig", otros más intensos en los que predomina la percusión y los sintetizadores como "Lighting the Beacons" o "Blood Moon" y piezas muy hermosas como "Lívstraeðrir" o "Aeternum". En general, es una banda sonora tranquila (aunque contiene momentos más salvajes), con claro protagonismo para la sugerente voz de Eivør Pálsdóttir, pero sin que la composición de John Lunn quede en un segundo plano. Sin duda, la música es otro de los fuertes de "The Last Kingdom", una serie que recomiendo que disfrutéis: Destiny is all...

Aquí os dejo el tema de apertura de "The Last Kingdom":

VALORACIÓN: 7'5/10

JOKER - HILDUR GUÐNADÓTTIR

TÍTULO: Joker

AUTOR: Hildur Guðnadóttir

AÑO: 2019

ESTILO: Banda Sonora Original

SELLO: Water Tower Music

"Mi madre siempre me dice que sonría y ponga una cara feliz. Ella me dijo que tenía un propósito: traer risas y alegría al mundo... ¿Qué es lo que obtienes cuando te cruzas con un solitario enfermo mental en una sociedad que lo abandona y lo trata como basura?... Cuando era niño y le decía a la gente que iba a ser comediante, todos se reían de mí. Bueno, nadie se está riendo ahora..."

El Joker, sin duda alguna uno de los grandes villanos que ha dado el mundo del cómic (personaje icónico de DC) y que el cine se ha encargado de encumbrar. Hasta ahora siempre lo habíamos visto como "estrella invitada" en la oscura Gotham, desatando el caos y haciendo resonar su macabra risa por las calles de la ciudad de Batman, en un duelo interminable que ha terminado generando un vínculo especial entre ambos.

Habíamos disfrutado de Jack Nicholson, encarnando a un Joker más bromista y alegre, aunque no exento de ese punto histriónico, que encajaba perfectamente en la cinta rodada por Tim Burton. También habíamos alucinado con la interpretación magistral de Heath Ledger y su personaje más sádico y caótico, incluso aterrador, en la película de Christopher Nolan. Pero hasta 2019 no habíamos tenido la oportunidad de ver una película dedicada íntegramente al Joker y, además, sin la presencia del Caballero Oscuro. Bien, pues hay que darle las gracias a Todd Phillips por dirigir "Joker" y a Joaquin Phoenix por brillar al meterse de lleno en la piel de uno de los malos más carismáticos del universo cinematográfico.

No tengo intención de hablar de la cinta -que he visto y que me ha encantado-, ni del espectacular trabajo de Phoenix -que espero le valga el Oscar-, ni tampoco ahondaré en la historia del Joker y sus incontables apariciones en cómics antológicos de Batman (aunque, sin duda, deberíais leer "La broma asesina" de Alan Moore y "Joker" de Brian Azzarello). Mi intención es escribir sobre la fantástica banda sonora compuesta por Hildur Guðnadóttir para esta película.

Para empezar deciros que Hildur Guðnadóttir es una violonchelista islandesa reputada y que "Joker" no es su primera intromisión en la gran pantalla. Curiosamente ya había conocido a Phoenix en la película "María Magdalena", colaborando en la composición de la banda sonora con Jóhann Jóhannsson, con el que también repetiría en el film "La llegada", y que su trabajo más destacado, hasta la fecha, se había producido en "Sicario: el día del soldado". Conviene añadir que suya también es la música de la aclamada serie "Chernobyl", contribuyendo de manera muy eficaz a incrementar ese clima tóxico, asfixiante y angustioso.

Como dato curioso, explicaros que Hildur Guðnadóttir fue entregando piezas musicales al director antes de que la película entrara en fase de preproducción. Esta manera de trabajar, muy poco usual ya que el compositor suele componer viendo las escenas, fue propuesta por el propio Todd Phillips, por lo que la islandesa tuvo que inspirarse a medida que iba leyendo las partes del guión que le tocaba musicar y eso contribuyó de manera definitiva a que evolucionara la partitura al mismo tiempo que evolucionaba el Joker. Es más, Phoenix ensayó algunas escenas (e incluso encontró iluminación) con la música ideada por Guðnadóttir.

Tal vez por ese proceso, la composición de la islandesa es Joker en estado puro y duro. Su música da forma a los sentimientos del personaje, mostrándonos sus momentos de desesperación, de tristeza, de incomprensión, de enfado y de enajenación. Porque sus acordes, a veces estridentes y no siempre "agradables", acompañan al Joker en su lento, pero seguro, camino hacia la locura. A medida que avanza la película podremos ir comprobando como la partitura de Hildur Guðnadóttir se va desquiciando, agarrada de la mano del Joker, transitando por ese sendero que va despertando todos los fantasmas interiores de un personaje condenado a estallar definitivamente y liberar toda esa rabia e ira acumulada. Y es que la música de la islandesa da forma, prácticamente, a la atormentada voz interior del Joker.

No parece una partitura muy compleja, de hecho no hay muchos instrumentos ni demasiadas melodías, pero sí es una composición brillante y perfecta para "Joker". Gracias a sus notas podemos comprender mejor al personaje, entender cómo percibe a la sociedad, cómo le afecta a él y cómo se siente. Esa opresión casi claustrofóbica del mundo interior de Joker, esa oscuridad airada pugnando por salir al exterior, ese ritmo por momentos fúnebre y machacón que puede llegar a molestar (en el buen sentido)... la composición parece ideada para remover al espectador y lanzarlo de cabeza a la inquietante y martirizada alma del Joker.

"Joker" no es una banda sonora compuesta para disfrutar y escucharla en casa mientras lees un libro, es una composición estrechamente vinculada a la película, con un carácter más narrativo que melódico y con la clara intención de acompañar al Joker hasta su glorioso y demencial cénit.

Los que ya hayáis visto la película, os recomiendo que volváis a ver "Joker" prestando atención a la música de Guðnadóttir para comprender la incidencia que ésta tiene en el contexto del film.

VALORACIÓN: 8/10

AVENGERS: END GAME - ALAN SILVESTRI

TÍTULO: Avengers: End Game

AUTOR: Alan Silvestri

AÑO: 2019

ESTILO: Banda Sonora Original

SELLO: Hollywood

"Después de los eventos devastadores de Infinity War, el universo está en ruinas debido a las acciones de Thano, el Titán Loco. Con la ayuda de los aliados que quedaron, los Vengadores deberán reunirse una vez más para intentar deshacer sus acciones y restaurar el orden en el universo de una vez por todas, sin importar cuáles son las consecuencias...".

Y Marvel decidió poner el broche de oro a una década de películas perfectamente entrelazadas entre sí para coser y armar un final legendario y espectacular. "Avengers: End Game" ha significado, unida a "Avengers: Infinity War", un cierre brillante a toda una saga cinéfila que arrancaba en 2008 con las apariciones de Hulk y del icónico Iron Man (gracias Robert Downey, Jr.) y que ha supuesto un ingente trabajo coral que los hermanos Russo han sabido reunir y orquestar con maestría, siendo capaces de entretejer todas las historias de los superhéroes de Marvel en dos colosales películas y 337 minutos repletos de emociones que tocarán la fibra, de trepidantes momentos de acción, de épicas batallas que siempre recordaremos, sin olvidar la dosis de humor habitual, pero esta vez añadiendo una carga dramática nunca alcanzada antes en este tipo de películas. Felicidades, aunque ahora much@s se pregunten ¿y ahora qué? Cuestiones sin responder, hipótesis y teorías de todo tipo, cuál será el futuro de algunos personajes, nuevas películas que llegarán en breve... pero de eso ya se están encargando otros foros y mi blog, al fin y al cabo, versa sobre cómics, libros o música y la idea es analizar la banda sonora compuesta por Alan Silvestri para el colofón de los Vengadores.

Alan Silvestri, compositor neoyorkino, no es nuevo en el universo marvelita, puesto que ya había compuesto antes las bandas sonoras de "Capitán América: el primer Vengador", "Los Vengadores" y "Vengadores: Infinity War". Así pues, su elección se antojaba natural para culminar la partitura definitiva de la saga y más aún cuando sus anteriores trabajos habían recibido buenas críticas (aunque la BSO del Capi fuera, sin duda, el más flojo de sus trabajos). Se trata de un compositor con un amplio currículum y suficiente experiencia en filmes fantásticos y de acción, no en vano suyos son títulos tan importantes como "Regreso al futuro", "Depredador", "El regreso de la Momia", "Van Helsing" o, recientemente, "Ready Player One". Además, teniendo en cuenta que "Vengadores: End Game" retoma la trama allá donde la dejó "Vengadores: Infinity War", era lógico que Silvestri continuara al frente de la parte orquestal para otorgarle continuidad a la partitura y darle mayor homogeneidad y empaque al conjunto.

Apuesta segura, teniendo en cuenta que su trabajo en "Vengadores: Infinity War" ya había resultado sólido y ofrecía una composición superior a anteriores creaciones de Marvel porque lograba introducir, más allá de la espectacularidad y la grandilocuencia, matices dramáticos y emocionales que le otorgaban mayor presencia en la narración de la película. Y es que una de las pocas cosas que se le puede achacar a Marvel en el poderoso y lucrativo universo fílmico que ha desarrollado, es la irregularidad de las bandas sonoras. Pocas composiciones han estado realmente a la altura y eso que por Marvel han desfilado nombres tan importantes como los de Brian Tyler, John Debney, Ramin Djawadi o Henry Jackman. En general se ha optado por partituras más básicas y planas, muy en línea del cine fantástico y de acción del siglo XXI, donde se prefieren enfatizar la épica y la acción por encima de un concepto más elaborado y clásico.

Curiosamente, con Alan Silvestri ocurre lo contrario y nos encontramos con una composición que sí recoge ese corte clásico, más complejo y con pasajes mucho más profundos de lo habitual en este tipo de películas. Podríamos decir que el neoyorkino contribuye con su música a darle mayor presencia, sentido e intensidad a la película, alcanzando al espectador, capturándolo e incrementando las cantidad de emociones que contiene "Vengadores: End Game".

Como decía antes, su trabajo es continuista. No en vano él es creador de la melodía que asociamos de manera inconfundible a los Vengadores y la que nos viene a la cabeza cuando el Capitán América pronuncia aquello de "Vengadores reuníos!". Así pues, "Vengadores: End Game", es una banda sonora fruto de todas las anteriores de la saga, que se nutre de todas ellas y recoge todo lo que sembraron sus predecesoras, pero llevada a un nivel muy superior, logrando encumbrar esta composición como la mejor de todo el universo marvelita. Y para mí es la mejor porque resulta la más completa y compleja, porque las dosis de épica, dramatismo, acción y expresión de sentimientos alcanzan niveles espectaculares y porque lo hace durante 117 minutos, por lo que la música, aunque a veces no nos percatemos, está muy presente en el film e incide directamente sobre él y, por ende, sobre el espectador.

También es cierto que, mientras se visiona "Vengadores: End Game", no tenemos la sensación de que la música logre ir más allá de acompañar a la película, algun@s seguro que sólo se dan cuenta de su presencia cuando intuyen el tema principal (presente en momentos clave y siempre reconocible), pero Alan Silvestri ha decidido dar protagonismo a otros instantes más íntimos y terrenales, tratando de no centrarse únicamente en la vertiente superheroica de los personajes y mostrando también su lado más humano, aquel en el que salen a relucir las emociones, las dudas y las debilidades de cada uno.

Considero que Alan Silvestri ha estado a la altura de una película tan apoteósica como "Vengadores: End Game" y que ha sabido rematar el trabajo que empezara en "Vengadores: Infinity War", ofreciendo una composición de corte clásico, elaborada y preciosista, que no ha obviado la épica intrínseca a una película de este calibre y que, además, ha añadido nuevos matices e ingredientes a la partitura hasta alcanzar un emotivo final. Y para trasmitiros todas esas sensaciones que he tratado de explicar, con más o menos acierto, mejor os dejo el tema "The Real Hero" y juzgáis vosotr@s mism@s:

En definitiva, esta banda sonora es un magnífico tributo a los Vengadores.

VALORACIÓN: 9/10

THE THIN RED LINE - HANS ZIMMER

TÍTULO: The Thin Red Line

AUTOR: Hans Zimmer

AÑO: 1998

ESTILO: Banda Sonora Original
SELLO: RCA

"Año 1942, en plena Segunda Guerra Mundial, en la isla de Guadalcanal, en el Pacífico. Un grupo de hombres de la compañía de fusileros del ejército americano "C de Charlie", combate contra el ejército japonés por la conquista de una estratégica colina. Este grupo forma parte de las tropas enviadas para relevar a las unidades de infantería de la Marina, agotadas por el combate".

En diciembre de 1998 se estrenaba la colosal película "The Thin Red Line", dirigida por Terrence Malick al adaptar la novela homónima de James Jones. En breve se cumplirán 20 años del estreno de ese peliculón, así que he decidido anticiparme un poco y repasar su banda sonora.

En mi opinión es una obra maestra del cine bélico y, sin duda, el mejor largometraje de Malick. Una película próxima a las 3 horas de duración, con un elenco de actores brutal (Nick Nolte, Sean Penn, Jim Caviezel, John Cusack, Adrien Brodi, Elias Koteas y pequeños cameos de George Clooney o Woody Harrelson, entre otros), ambientada en la II Guerra Mundial. Narra la invasión de la isla de Guadalcanal con el objetivo de evitar que el Ejército Imperial japonés establezca allí una base aérea. Más allá del drama bélico, el film de Malick recoge las frustraciones personales, los intereses individuales, las tensiones entre los soldados o los conflictos morales a los que se ven sometidos los integrantes de la compañía, contrastando poderosamente con el paraje bucólico que representa el paisaje tropical y con la paz que transmiten los habitantes nativos de la isla, como ajenos al conflicto.

El encargado de poner música a toda esa epopeya fue Hans Zimmer en el que, para mí, es uno de los trabajos más sólidos y completos del compositor alemán. La popularidad del de Frankfurt no era la misma de la que goza hoy, convertido ya en un reputado y casi omnipresente compositor y productor (además de contar con un buen número de pupilos). Si bien ya había trabajado en películas como "Rain Man", "Thelma & Louise", "Marea Roja", "La Roca" y, cómo no, "El Rey León" -con la que se llevaría el Oscar en 1994-, sin duda, es con "The Thin Red Line" con la que roza la perfección. Curiosamente, esta banda sonora no logró el Oscar, aunque sí estuvo nominada (de hecho, la película no obtuvo ningún premio, a pesar de estar nominada en 7 categorías).

Hans Zimmer nos regala una composición de casi una hora de duración, casi 60 minutos que, a pesar de lo que podamos pensar, apenas contienen carga épica. ¿Es eso posible? Estamos acostumbrados a escuchar la música de "El Último Samurai", de "Piratas del Caribe", de "Black Hawk derribado" o de "Gladiator", partituras en las que el ingrediente épico resulta imprescindible y en las que reconocemos perfectamente las melodías del compositor alemán. Entre los detractores de Zimmer siempre hay quien dice, más allá del uso del sintetizador, que sus bandas sonoras son similares y cuesta distinguir si una pieza corresponde a "Origen" o a "Batman", por ejemplo. Curiosamente, "The Thin Red Line" forma parte de ese selecto club de composiciones de Zimmer que se salen de su línea habitual.

A pesar de ser una cinta bélica que podría invitar a realizar una música más próxima a las películas de acción, Zimmer la deriva en una partitura hermosa, melódica, tranquila y casi bucólica. Puede parecer contradictorio, pero cuando uno se sienta a ver la película de Malick, comprende porqué el compositor alemán se decantó por esa composición. La película, aunque contenga escenas duras y sangrientas propias de un conflicto bélico, no deja de ser una cinta más centrada en las emociones, los pensamientos e incluso en una cierta liberación individual. Eso no quiere decir que obvie, evidentemente, temas como la desolación, la muerte, la angustia y los miedos que afrontan los diferentes personajes, pero ese baile de emociones, ese cóctel tan contrapuesto de luces y sombras, es lo que plasma a la perfección Hans Zimmer en una música capaz de recoger todas y cada una de las sensaciones que puede vivir un soldado durante una guerra.

Terrence Malick no pretende hacer de "The Thin Red Line" una película patriótica y tampoco apuesta por una clara postura antibelicista, más bien es un viaje espiritual y reflexivo que nos lleva a la cabeza, a los pensamientos  y cuestiones que se plantean varios de los protagonistas del film ante las diferentes situaciones que van viviendo. Hans Zimmer hace lo propio con la banda sonora, no hay fanfarria, no hay percusión, no hay ritmo trepidante... porque no hay nada de lo que vanagloriarse o celebrar, nada dentro de la locura que siempre supone una guerra; no hay nada glorioso dentro de una tragedia. Las melodías, por lo general suaves y siempre bellas, acompañan a los soldados y nos sumergen en sus propias batallas interiores, su embrutecimiento, sus dudas, sus fantasmas, sus agonías, sus breves momentos de iluminación... Zimmer complementa a la perfección la poesía visual de la cámara de Malick, que siempre nos ofrece poderosas imágenes del infierno de una guerra, enfrentadas a la mágica fuerza que rebosan los paisajes.

En definitiva, si no habéis visto esta película, deberíais hacerlo. Si no conocéis su banda sonora, deberíais hacerlo. Y si habéis visto "The Thin Red Line" y conocéis la composición de Hans Zimmer, volver a disfrutar del film y prestar mayor atención a la música para ser plenamente conscientes de la armonía existente entre las imágenes y la música. Una obra maestra.

VALORACIÓN: 10/10

LA BSO DE LA TIERRA MEDIA - HOWARD SHORE

Los albores del siglo XXI nos trajeron la adaptación a la gran pantalla de la afamada y eterna trilogía de J.R.R. Tolkien: "El Señor de los Anillos". Peter Jackson, un director de cine neozelandés poco conocido y que descubrí a través dos películas gore ("Mal gusto" y "Braindead"), iba a ser el encargado de dar vida a este macroproyecto cinematográfico, una obra titánica que vería la luz en el año 2001 con la vibrante "La Comunidad del Anillo", una película que dejaría a muchos con la boca abierta y que supondría el aperitivo de dos majestuosas películas más, ya que proseguiría su exitosa andadura en 2002 con la oscura "Las Dos Torres" y cerraría un ciclo irrepetible en 2003 con la poderosa "El Retorno del Rey". La crítica y la acogida fue unánime y Peter Jackson se hizo definitivamente un nombre en el mundo del Séptimo Arte.

Casi diez años después, Jackson volvería a inspirarse en la Tierra Media de Tolkien y comandaría otro proyecto no menos colosal. Aunque muchos consideraran que la historia no daba par tres películas (entre ellos, yo mismo), el neozelandés dividiría el cuento "El Hobbit" en tres partes, "Un viaje inesperado" (2012), "La desolación de Smaug" (2013) y "La Batalla de los Cinco Ejércitos" (2014). Independientemente de lo bien o mal que te parezca que se hayan rodado esas tres películas y si te han gustado más o menos las licencias que haya podido tomarse el director, lo cierto es que no se le puede negar a Peter Jackson que el trabajo realizado ha sido espectacular.

Su pasión por la obra de Tolkien ha estado a la altura de las expectativas de todas aquellas personas que en su día leyeron los clásicos del escritor británico y que viajaron con su imaginación a través de la Tierra Media. Aquellos que fuimos capaces de soñar cómo sería Moria o Gondor o La Comarca, qué aspecto tendría Gollum o Bilbo o Gandalf, cómo sería la gran batalla de Pelennor, qué secretos esconderían las entrañas de Erebor o si Smaug sería el padre de todos los dragones, sentíamos la curiosidad de saber cómo trasladarían a la gran pantalla todo aquel universo de fantasía épica. Llegó él y con su equipo de colaboradores, logró recrear el entorno nacido de la pluma de Tolkien y gozamos de Rohan, de Isengard, de Minas Tirith, de los picos de Caradhras, de Bolsón Cerrado o del aspecto aterrador de los Nazgûl, Sauron o el mencionado Smaug.

Pero tan importante como Peter Jackson, ha sido la figura de Howard Shore, encargado de componer toda la banda sonora de las dos sagas. Sin su música, las imágenes hubiesen sido un poco menos espectaculares, los lugares un poco menos mágicos, las batallas un poco menos épicas y los personajes un poco menos carismáticos. No sé quién fue el encargado de elegir a Howard Shore como compositor para las películas, se habían barajado otros nombres, pero bendita sea la elección porque la batuta del canadiense resulta indisoluble e indispensable para la Tierra Media.

No es que Shore fuera un desconocido, ya había trabajado en películas importantes como "La Mosca", "El silencio de los corderos", "Philadelphia" o "Seven", pero su nombre será recordado y asociado por siempre a las dos trilogías de Peter Jackson. No en vano, en casa de los Shore lucen dorados premios Oscar gracias a "La Comunidad del Anillo" y "El Retorno del Rey".

Ser el responsable de seis bandas sonoras y que todas ellas tengan su propia personalidad, sin caer en la repetición y, al mismo tiempo, mantener la continuidad y la solidez, no es sencillo ni está al alcance de cualquiera. Añadiendo, además, la complejidad de poner música a "El Hobbit", creando nuevas partituras y, a la vez, integrando la sonoridad ya degustada anteriormente durante "El Señor de los Anillos", trilogía con la que Shore había conseguido asociar personajes o lugares con melodías que se habían convertido en familiares y reconocibles para el espectador. Esa dificultad añadida, la de tener que encajar la precuela de "El Hobbit", fue superada con talento y solvencia, logrando componer unos temas nuevos que, a la postre, deberían enlazar con "La Comunidad del Anillo" y seguir manteniendo la uniformidad de unos temas claramente identificados.

La música de ambas sagas rebosa épica, magia, fantasía, oscuridad, maldad, alegría... conformando una banda sonora legendaria en la que Shore, como hiciera Tolkien en sus novelas, distingue perfectamente entre los momentos brillantes de las fuerzas del Bien y la maligna oscuridad que desprenden las fuerzas del Mal. La evolución narrativa del compositor canadiense es coherente en todo momento, construyendo una sólida estructura musical. Además, en ambas sagas, los broches finales ("El Retorno del Rey" y "La Batalla de los Cinco Ejércitos") resultan ser unos cierres espectaculares a ambas trilogías, con un toque más épico, más dramático, más profundo, en el que logra recopilar toda su creación y darle un nuevo empuje a modo conclusivo, elevando las melodías y llevándolas hasta un final casi operístico, coral y majestuoso. Según mi parecer, Howard Shore ha sido capaz de hacer algo similar a lo que consiguió en su día el maestro John Williams con su inmortal música de "Star Wars".

Os dejo con el tema de los enanos de la Montaña Solitaria, Erebor: "Sons of Durin":

En definitiva y aunque sea una opinión puramente personal acerca del trabajo de Howard Shore, creo que estamos ante una de las bandas sonoras más importantes de la Historia del Cine.

STAR WARS - JOHN WILLIAMS

Los motores del Halcón Milenario vuelven a carburar, bien engrasados por la colosal y mediática maquinaria de Disney, que ya ha lanzado el primer tráiler promocional (pincha aquí para verlo) de la que será la séptima entrega de la saga más memorable de la historia del séptimo arte.

En, más o menos, un año, la creación de George Lucas, bajo la dirección de J.J. Abrams, verá la luz y los sables láser volverán a emitir su característico zumbido.

No voy a hablar de Star Wars, tampoco de la historia de cómo empezó a gestarse la saga, de si la trilogía original es mucho mejor que la posterior, del traspaso de Lucasfilm a Disney y las dudas que generó o sigue generando, de las expectativas que ha levantado el séptimo episodio llamado "The Force Awakens" y de la ilusión que nos hace a muchos la vuelta de los míticos Mark Hammill, Carrie Fisher y Harrison Ford.

Como este es un blog de libros y música, mi artículo está dedicado a ese gran monstruo que es John Williams, uno de los principales referentes dentro de la composición musical fílmica y padre de obras míticas como E.T., Tiburón, Superman, Indiana Jones, Harry Potter y, cómo no, Star Wars. Este señor ha sido nominado en infinidad de ocasiones y premiado con cinco Oscars, además de otros premios como los Grammy, los Bafta o los Globos de Oro y ha dejado, para siempre, su impronta inconfundible en los anales cine. John Williams es una leyenda viva y un referente como compositor de bandas sonoras.

Como Star Wars, Williams es un compositor que abarca varias generaciones de espectadores. Yo fui al cine con mis padres a ver "El Retorno del Jedi" y hablo del año 1983, casi nada, y en 2015, más de tres décadas después, regresaré al cine con mis padres para ver la séptima entrega... y el maestro Williams volverá a coger la batuta para que toda la sala tararee mentalmente el archiconocido tema principal. Y es que cuesta mucho encontrar a alguien que no reconozca la icónica música de La Guerra de las Galaxias. 

Nacido en 1932 en Long Island, Nueva York, ha trabajado con otros genios de la historia musical del cine americano como Miklós Rózsa, Elmer Bernstein, Henri Mancini o Jerry Goldsmith. Su primera nominación a los Oscar es del año 1967 (El valle de las muñecas), después vendrían 48 nominaciones más, lo que permite hacerse una idea del tiempo que lleva John Williams componiendo y al pie del cañón.

Su nombre está íntimamente ligado al de Steven Spielberg. El tándem ha colaborado en filmes tan conocidos como E.T, Tiburón, 1941, las aventuras de Indiana Jones, El Imperio del Sol, Jurassic Park, La Lista de Schlinder, Salvar al soldado Ryan, Minority Report, War Horse y Lincoln, hasta ahora, última película en la que han trabajado juntos.

Todos esos trabajos a sus espaldas hubieran sido más que suficientes para encumbrar a John Williams, pero es cierto que la música de Star Wars consigue lanzar al compositor neoyorkino al hiperespacio a la velocidad de la luz. La partitura del maestro es sencillamente magistral, una banda sonora rebosante de matices, sin alejarse de la sinfonía o fanfarrias clásicas, pero grandilocuente y espectacular... y es que tiene de todo: temas de acción, temas más intimistas que rozan lo místico, temas claramente épicos alternados con las sombras del lado oscuro, coros... en fin, una obra maestra en la que John Williams despliega su interminable talento. Mítica, es el adjetivo definitivo.

Así que, desde aquí, mi humilde homenaje a uno de los músicos más importantes y destacados de la historia del cine. Bravo, maestro.

JUEGO DE TRONOS (temporada 4) - RAMIN DJAWADI

TÍTULO: Game of Thrones (season 4)

AUTOR: Ramin Djawadi

AÑO: 2014

ESTILO: Banda Sonora Original

SELLO: Water Tower Music

Parecía que la evolución de Ramin Djawadi conforme avanzaba la tremenda saga de George R.R. Martin iba ganando enteros, así había pasado con las tres entregas que, hasta ahora, había firmado el compositor alemán. Y es que la música de la tercera temporada había supuesto un gran salto cualitativo respecto a las dos anteriores y, por fin, la fabulosa serie "Juego de Tronos" tenía una banda sonora acorde con su tremenda fuerza y calidad.

En esta ocasión, Djawadi no consigue superarse a sí mismo, sí bien sigue siendo una composición digna, no alcanza las cotas de la tercera temporada. Aún así, parece haberle tomado el pulso definitivamente a la serie y se muestra como un compositor más maduro que está sabiendo interpretar lo que demandan los distintos momentos por los que transcurre la historia en los Siete Reinos... es decir, más tinieblas y claroscuros, una mayor carga dramática y todas esas turbulencias que se están desencadenando en Juego de Tronos. Eso no quiere decir que hayan desparecido los temas más épicos o heroicos, no, simplemente ha optado por teñir su música de colores más oscuros. 

Sigue destacando, cómo no, el poderoso tema de apertura de la serie que, en mi modesta opinión, pasará a la historia como una de esas melodías que cualquiera es capaz de tararear e identificar. También sigue siendo evidente (y muy acertado) el hecho de que cada casa tenga sus propias composiciones que permitan diferenciarlas de las demás, con la aparición, para esta temporada, de los salvajes de Mance Rayder.

Además Djawadi, como ya hiciera con la BSO de la tercera temporada, decide cerrar el disco con otro temazo: "The Children". Aunque quizá no esté a la altura del anterior ("Mysha" era un tema estremecedor y de gran calidad), sigue siendo un tema precioso y emocionante que cierra magistralmente el disco:

En definitiva, el trabajo de Ramin Djawadi habrá que evaluarlo a la larga y como una magna banda sonora que ha ido creciendo al ritmo de la serie. Si miramos hacia atrás, es indudable que el germano se está mostrando mucho más sólido y ha dejado atrás los titubeos y la música que apenas conseguía despertar alguna emoción, pero sigue siendo una composición que adolece, en algunos momentos, de falta de pegada y de ser excesivamente ambiental. Y es que se sigue echando de menos el toque épico y de más carácter que demanda la obra de George R.R. Martin y que sí ha sabido captar a la perfección la HBO en la serie.

WINTER IS COMING...

VALORACIÓN: 7'5/10

Puedes leer la reseña de la BSO de la 2ª temporada aquí: Juego de Tronos - temporada II
Puedes leer la reseña de la BSO de la 3ª temporada aquí: Juego de Tronos - temporada III